Ínsula Dulcamara

Poesía Sonora Imaginaria (Tomas I-III)

2012-01-28T01:04:00.008+01:00

Selección de videoclips o también, cortos de animación que por su factura, estética o textura sonora y visual merecen escucharse con los ojos y verse con los oídos sin ninguna prisa del mundo en toda Ínsula Dulcamara. Hoy, para empezar, tres tomas de P.S.I (Poesía Sonora Imaginaria) :

Toma I : Blue leaves de Sóley

Toma II: Joker's Daughter, Animación de Hayley Morris

Toma III: Maybe de Ingrid Michaelson

Antojaiku #1

2012-01-27T12:13:00.004+01:00

Crónica de instantes (XI) : sobre unicornios y máquinas de coser

2012-01-07T18:38:00.011+01:00

Creo que hay pequeñas historias que merecen contarse y más en estos días de tanta superficialidad y atiborramiento de inútiles regalos navideños. Porque son historias que hablan de esos verdaderos y modestos regalos que te llegan al alma. Precisamente, hace unos días compartía en facebook y twitter una de esas historias de alto contenido emocional...

Mi historia tal vez no pueda compararse con ese unicornio remendado. Sin embargo, mi querida hermana Isabel el pasado día de reyes consiguió que me emocionara simplemente con una cajita de cartón decorada que contenía esta figurita de una Singer en miniatura que todo lo más puede servir de modesto pisapapeles, pero que para mí significaba algo muy, muy especial...

Quien ya me conoce y ha pateado los recovecos de este blog insular sabrá porqué esta figurita ha conseguido emocionarme. Quien no, tal vez este post que escribí hace un par de años le haga atar los cabos a la historia. Lo dicho, esta figurita a partir de ahora ocupará un hueco especial en el Museo Imaginario de mi memoria y al verla junto a mí, seguiré escuchando el sonido del pedaleo, la música tejida por la aguja al subir y bajar entre las costuras.

Re:Words 2012

2012-01-03T01:35:00.008+01:00

Pensando en escribir mi primer post de este año 2012, tropiezo con este vídeo energético que compone un puzzle vital de pequeños e íntimos retazos de la memoria colectiva. Y pensando para qué escribir si el vértigo de las imágenes ya me lo está diciendo o casi susurrando. Y sin nada más que decir de todo lo mucho que se puede decir -o no decir- en unos pocos segundos y en este instante. El vídeo se llama Re:Words, montado a base de fragmentos y clips de aquí y de allá en Youtube y realizado además, por Everynone, de cuya factoría han salido joyas audiovisuales como Simmetry.

Crónica de instantes (X): La historia, la luz y la arena

2011-12-26T19:46:00.016+01:00

¿Puede dibujarse la historia de un país en la arena? Ya los indios navajo habian hecho de la arena un arte mágico y ritual de sorprendente belleza. En Ínsula Dulcamara ya llevé este arte efímero a mi museo imaginario aquí y aquí. De todas formas, la arena también se ha utilizado en los rituales de otras culturas y pueblos en Asía, Oceanía y África. Kseniya Simonova, una joven artista ucraniana retoma este modesto material para hacer sorprendentes presentaciones artísticas con cajas de luz sobre la reciente y traumática historia de su país, apoyadas por la luz y la emotividad de la música. Se dice que comenzó a dibujar en arena tras el colapso de su negocio como consecuencia de la crisis de crédito. Luego, se presentó a un conocido concurso televisivo y ganó. Comenzó a ser reconocida.

En cierta forma, sus "proyecciones" de arena recuerdan a aquellas viejas sesiones de linterna mágica que desde muy antiguo cautivaban a pequeños grupos y que fueron la antesala de lo que luego, pasado el tiempo, vino a ser el invento del cine. Pero ésta es otra historia...

Linterna Mágica, ilustración del siglo XVIII

Las manos expertas y sensibles de Kseniya Simonova mueven la arena, cambian de escena y significado en cada minuto, cuentan una historia o muchas historias. Es posible que estas obras no cuelguen en Arco o en los grandes mercados del arte, porque es algo más que el valor de unas monedas. Pero en las redes sus obras son todo un acontecimiento, sólo hay que ver la cantidad de visitas y elogios que reciben sus vídeos en Youtube.

Un arte grande, grandísimo, pero efímero e irrepetible, como buen arte. No sólo sabe plasmar arte con sus manos en cuestión de segundos. Son obras que, cosa rara hoy día, mueven los sentimientos de la gente, son pequeñas luces, crónicas de instantes que guardo para mi Museo Imaginario.

Felices Fiestas.

Crónica de instantes (IX): tres años en Ínsula Dulcamara

2011-12-18T11:13:00.025+01:00

Fotografía de mi serie "Poemas visuales"

Tanto ajetreo. No había caído que casi por estas fechas y hace tres años, una diminuta islita bloguera nacía en mi pequeño y sosegado mar interior, en el inmenso y agitado océano de la blogosfera. Una islita a la vez dulce y amarga como la flor que da su nombre a este blog. Tres años que no significan gran cosa en términos generales pero son un mundo cuando has visto día a día tu hijo crecer, has llorado la amarga despedida de tanta gente amiga y querida, de una parte de tu misma familia...

Tres años son muchas piedras en el camino, en el río de la vida. Empecé este blog en circunstancias difíciles escribiendo pequeños poemas -esas "raspaduras del alma" que las llamaba Antoni Artaud- y publicando mis fotopoemas visuales como el que encabeza ahora este post. Luego vinieron los deslumbres, las crónicas, los haikus, el arte, la música y las cosas de la vida.

"Mis manos" Fotografía de Nieves Diego

Mientras tanto, el mundo se estremecía , se hacía convulso y complejo. Tsunamis naturales y sociales. Fukusima, el #15M, la crisis...Fricciones, fallas del tiempo presente y la memoria...

#SpanishRevolution (People Have The Power ) on PhotoPeach

Así que ya termino, agradecido a quienes por aquí en algún momento se pasaron, se pasearon y escriberon en la orilla sin bordes de Insula Dulcamara , a mis amigos, los de aquí y los de allá. A todos y a todas, gracias, les dejo con este vídeo llamado "Dulcamara Concept" que invita a pensar en eso, en el verdadero valor de los instantes...Sean felices.

Crónicas de instantes (VIII): La belleza del polen

2011-12-12T23:53:00.019+01:00

Este maravilloso vídeo, "The Beauty of pollination", me ha hecho recordar un tiempo de juventud donde estuve trabajando durante varios veranos con un colmenero amigo de mi familia, para poder costearme en algo los estudios de Bellas Artes. Fue una experiencia muy dura pero apasionante. "Para la abeja una flor es una fuente de vida, para la flor una abeja es una fuente de amor" creo que me dijo -o me leyó de no se dónde- alguna vez Sebastian el "Cepa", que así se llamaba el tal colmenero. Por eso, y con aquel recuerdo zumbándome en la cabeza, me apetece hoy -en pleno invierno, puede parecer extraño- hablar de ese espectáculo fabuloso de la naturaleza que es la polinización.

Por eso y también porque en aquella época leía con interés al viejo anarquista y naturalista ruso Kropotkin (en concreto, su gran ensayo "El apoyo Mutuo", dejo PDF para quien quiera curiosear) y porque la vida diaria de las abejas y las flores, quitando algunas "esclavitudes" de su condición animal o vegetal, nos enseña, extrapolando su ejemplo, a trabajar por el bien común, a convivir en sociedad o en líneas más generales, a respetar las leyes naturales y el medio ambiente. Sin embargo, hablamos con frecuencia de "colmena" en negativo, para referirnos a multitudes "emborregadas" o "hacinadas" en aglomeraciones urbanas. Somos así de desagradecidos.

Sí, recuerdo que el interior de una colmena era asombroso, hipnótico casi con ese ir y venir constante, ese brutal zumbido de miles de enfurecidas abejas o ese olor dulzón de la cera, la jalea y la miel alrededor ; la naturaleza misma en su conjunto es asombrosa, una crónica de instantes que casi rozan la magia y la poesía absoluta. Las flores y los insectos constituyen el más claro ejemplo de mutualismo entre el reino animal y el vegetal. Las bellas imágenes del vídeo lo corroboran por sí mismas.

En la nombrada y (mas que nada) espectacular película "Avatar" vimos a unos seres extraños y azules que se "conectaban" literal y biológicamente con las plantas, las flores e incluso, los animales. Nosotros muy lejos de eso, al ser una especie en un inquietante "peligro de expansión", a unos los hemos ido apartando de nuestro camino, exterminándolos poco a poco , dejándolos sin sus hábitats o poniéndolos en serio "peligro de extinción" y a las otras, las plantas y las flores las hemos tratado algo mejor, pero sólo por su "apariencia" como preciados objetos de belleza, ricos en simbolismos y mitologías (narcisos, rosas, orquídeas, crisantemos, etc) , no como "milagro biológico" y eso será por el mero hecho de que siempre las hemos tenido alrededor, siempre y sin nada a cambio, nos han ofrecido cada primavera una explosión de vida y color en nuestros campos y jardines.

Miles de años de evolución de plantas e insectos que han tenido que adaptarse unos a otros mutuamente, de modo que ambos consiguen grandes ventajas con ello. Cada primavera las flores inician la más espectacular de las revoluciones. Si el color, la elegancia, la gracia y la fragancia de las flores nos seducen, atraen y despiertan nuestra sensibilidad, dentro del universo natural no están concebidas para representar nuestros sentimientos o incitar a la poesía o el haiku, sino para atraer, seducir e incluso, engañar de mil sorprendentes maneras a los insectos (hay más de un millón de especies en el mundo) polinizadores, que hacen de valiosos intermediarios en este proceso de gestación de la vida vegetal.

El término polinización científicamente hace referencia al desplazamiento o trasiego del polen desde una flor que lo produce, a otra flor de su misma especie, en principio, que lo recibe. Este fenómeno tan corriente, tan sencillo a primera vista, tan intrascendente para gran parte de la gente, trae asociado unas consecuencias inmediatas y de gran importancia, como son la formación del fruto, de una importancia vital en la agricultura y la formación de la semilla, que le servirá al vegetal para perpetuar su especie y multiplicarse. Y el resto de la cadena ya lo sabemos: el oxígeno y en definitiva, la posibilidad de la vida.

Por eso, ver a los insectos trajinar y polinizar entre las flores es un espectáculo digno de una superproducción, la de la vida. Piensen en eso. Pero ¿Qué pasaría si desaparecieran por ejemplo, las abejas? Este vídeo puede darnos una idea de la catástrofe.

Y cierro, como empecé, con poesía, con cinco haikus, cinco crónicas de pequeños instantes (no muy ortodoxos en su métrica pero sí metidos en su "cápsula de poesía" como los llamaba Octavio Paz ) dedicados a esta magia alada en miniatura que son precisamente, las mariposas.

I
La felicidad debe ser esto:
dos alas volanderas
en la fugacidad de un instante.

II
Sobre las flores del rocío
las mariposas
liban al vuelo los suspiros.

III
Simetría perfecta
en un mundo
descompensado de belleza.

IV
Vida efímera,
fatalmente escrita
en el esplendor de tus alas.

V
Hasta en su huida
la mariposa
parece no tener prisa.

Los Bonsais de mi hermana

2011-12-02T00:22:00.003+01:00

De mi hermana Isabel. Hechos con hilo de cobre y laca de uñas. Mucho arte y mucha paciencia...

Ver fotogalería

Museo Imaginario ( XVI ) : Fantasías mecánicas de Vladimir Gvozdev

2011-11-09T21:33:00.011+01:00

Hacía tiempo que ni escribía mis crónicas ni añadía nada a mi Museo Imaginario insular. Así que ahora le toca el turno merecidamente a estas maravillosas cajas de fantasías mecánicas con formas animales creadas por Vladimir Gvozdev, un artista e ilustrador ruso del que apenas he logrado encontrar más información que la disponible en su escueta página web donde se pueden admirar , eso sí, muchas de estas preciosidades que tanto me recuerdan a los inventos y artilugios mecánicos que el gran Leonardo Da Vinci garabateaba en sus cuadernos o también y en otro plano -y salvando las distancias, ahora me viene a la memoria- aquellos entrañables inventos del Doctor Franz de Copenhage en los míticos ejemplares del TBO que devoraba de niño.

vía: http://www.peatom.info/la-llave/118583/los-grandes-inventos-del-tbo/

Así que, sin nada más que añadir ni que entresacar de mi maltrecha memoria, dejo sólo una pequeña muestra de algunos de los trabajos de Vladimir Gvoznev. El resto, en su web antes reseñada.

(Ilustraciones: web del artista http://gvozdariki.ru/gvzd/mechanics/mech01.htm)

Crónica de instantes (VII): Dualidades

2011-10-08T00:13:00.010+02:00

Ojo, esto es una improvisación. Escribo esto o escribo aquello y no espero que tenga sentido alguno. Hace dos segundos ni siquiera pensaba hacerlo. Así son las cosas. Las dualidades definen el transcurso de todo en la vida. Las decisiones se toman y se dejan a la velocidad de crucero. Y los senderos se cruzan en tu camino. Unos van y otros vienen y tu ya no te acuerdas si ibas o venías, en todo caso, deambulabas por las afueras de tus adentros. Cambios de sentidos, bifurcaciones y atajos que te acercan o te alejan del mismo sitio. Eliges uno y piensas que siempre fue el mismo que no debiste coger. Y sin embargo y contra todo pronóstico, lo elegiste.

Esa es la dualidad que nos distingue y nos distancia de las cosas porque las cosas -en el fondo- no son duales (frío o calor, el día o la noche, el sol o la luna ) sino que son distintas. Realidades distintas. Y distinta es la gente que entra en tu vida por los poros y gente que sale de ella depositada en el polvo de la rutina, ese manto flotante de microscópicas y muertas células de nuestras pieles. Porque luego nos ponemos otras pieles nuevas que no son nuestras, que nos prestan....

Mientras tanto, debemos tomar decisiones que en fracciones de segundos voltean nuestras vidas como una ventolera remueve y levanta en vuelo las hojas secas de ese bosque caducifolio que es la memoria y también el amor y el odio y el otoño. Como la trompeta de Chet Baker en Autumn Leaves. Pensando en quienes no están y un día estuvieron. En las voces que llenaron el silencio como los grillos en verano.Tan cerca y tan lejos. Dionisos daba la vida y la muerte, Jano tenía dos caras. Un Héctor en busca de su Aquiles. Simetrías. Espejos. Voces en sueños que son como películas de cine mudo montadas de trozos cortados al azar. Espejos que no devuelven reflejos sino migrañas del tiempo...

No sé, ahora suena "My old flame" del gran Charlie Parker y en cada nota presiento que se le va (que se le fue) la vida. Notas, colores que van del blanco al negro, pero jamás existe ese totalmente negro. Como en el buen jazz, hay luces y sombras dentro de nosotros. Dualidades. Nos sorprenderíamos de la cantidad de dualidades que suceden a a pesar nuestro.Vean si no, este maravilloso corto, el culpable de que haya escrito esto o aquello ...

Crónica de asombros: Los mundos de Escher

2011-09-27T00:38:00.010+02:00

He tenido la grandísima suerte de poder contemplar en Granada la más que recomendable muestra (http://www.eschergranada.com/) "Universos Infinitos", una magnífica retrospectiva del genial artista holandés M.C. Escher donde he podido maravillarme y compartir con mi hijo el asombro ante muchas de las litografías, grabados y xilografías que le han dado fama mundial como Metamorfosis , Dos manos dibujando, Cascada imposible, etc. Y además, por partida doble: una en un marco incomparable como es La Alhambra y otra en la Ciudad de las Ciencias, igualmente espectacular con curiosas instalaciones con espejos ( en la fotografía) junto a magníficos audiovisuales y documentales. Poco puedo decir que no se haya dicho o escrito ya sobre Escher, sus relaciones con La Alhambra, sus figuras y arquitecturas imposibles, sus cruces de mundos, sus investigaciones matemáticas y perceptivas, etc. En su web oficial está todo, además . Me quedo con el recuerdo de la proyección de este preciosa animación de la National Film Board of Canadá (NFB) llamada Sky and Water / Cielo y agua

Incitaciones (I) : Infancia

2011-09-22T20:37:00.003+02:00

"La infancia es la fuente esencial de todo lo que escribo y la nostalgia es la materia prima fundamental que forma la base de mi escritura. No me refiero a la nostalgia de Chico, aquellos sí que fueron buenos años, sino más bien al hecho de ver la vida desde una perspectiva"

Gabriel García Márquez

Colores del fin del mundo ( y II)

2011-08-22T16:23:00.014+02:00

"Beato de Liébana" Las langostas fantásticas y el ángel del abismo (f.171v)Imagen de Wikimedia Commons

Este post puede considerarse continuación de la serie iniciada tiempo atrás sobre el mundo de los colores con el post "Cuando los colores tenían magia(I)". Recientemente, de paso por la comarca lebaniega, pude volver a ver en la villa de Potes una magnífica exposición de facsímiles de los llamados "beatos", por el Beato de Liébana, monje que inició e inspiró esta serie de libros maravillosamente miniados. Vaya por delante que no me mueve ningún interés religioso, sino el meramente artístico y documental. Antes que nada, tres breves indicaciones para situar el post y la historia:

1)Cuentan las crónicas que hacia el año 75 de nuestra era, en su destierro de la isla de Patmos, el apóstol San Juan escribe el Apocalipsis, en el que narra una serie de visiones sobre los aterradores sucesos que acarrearán al final de los tiempos...

2)700 años más tarde un monje de la comarca de Liébana (para que os situéis, conjunto de valles en el corazón de Cantabria, al abrigo de los impresionantes Picos de Europa) llamado Beato, escribe un libro titulado "Comentarios al Apocalipsis" para explicar e ilustrar con sobrecogedoras imágenes el hermético texto de San Juan.

3) El Apocalipsis se convirtió en un libro de obligada lectura en muchos monasterios en la alta Edad Media, entre otras cosas porque hacía descripciones muy precisas -y con total convencimiento- de cómo las "fuerzas del mal" se apoderarían de la tierra e iban a propiciar un inminente "fin del mundo", que tenía como fecha concreta el año 1000, donde se produciría el "reinado de Satanás". Hay que aclarar que en tiempos del Beato se pensaba que esos mil años se cumplían hacia el año 800 de nuestra era.

Beato de Liébana
"Mujer sobre la bestia" (f.72v)-Imagen Wikimedia Commons

Desde el punto de vista artístico, los beatos van a servir de modelo para los artistas que esculpían los capiteles y pintaban los murales de las iglesias. La temática de las ilustraciones del Apocalipsis van a construir el soporte argumental de la religiosidad del periodo románico durante los siglos XII-XIII e incluso algunos temas se colarán en el gótico. Estilísticamente se observa también una notable influencia en el dibujo esquemático de rostros con grandes ojos almendrados que prendarían al mismísimo Picasso e incluso podemos rastrear su influencia en muchos de sus dibujos y pinturas en su camino hacia el Cubismo, como este famoso autorretrato.

Autorretrato- Pablo Picasso (1907)

Pero lo que me interesa en este post son los colores y de ellos quiero hablar. En la mencionada exposición había una vitrina con los útiles y materiales empleados en la elaboración de estos manuscritos: raspadores y pellejos para fabricar los pergaminos, plumas, pinceles, tintas (por cierto y hablando de tintas, no hace mucho hablé de ellas en este reciente post, a propósito de Newton) y frascos con pigmentos naturales.

Investigando, investigando lo escrito sobre el tema y los datos disponibles en el cataloguillo de la exposición, encontré cierta información sobre los colores empleados por los llamados "iluminadores" ( intervenían también los encuadernadores y los copistas) en la elaboración de estas sorprendentes ilustraciones. Magius, que iluminó el beato de monasterio leonés de San Miguel de Escalada, escribió estas palabras:

"En su ornato, intercaladas entre las maravillosas palabras de las historias, he pintado estas pinturas, siguiendo su serie, para que aquellos que están enterados sientan terror ante el futuro y la venida del Fin del Mundo".

Da un poco de yuyu ¿a qué sí?. Pues imaginen el miedo y angustias que sembrarían los textos y las imágenes en la población ya de por sí angustiada por mil y una calamidades: pestes, epidemias, guerras, hambrunas, etc. Y encima la iglesia, metiendo cizaña. No sigo por ahí que me caliento...

Volviendo a los colores, éstos se sacaban de pigmentos minerales molidos, salvo el negro que solía ser de carbón. Se aglutinaban con clara de huevo, una técnica que en arte se conoce como "temple".

- El blanco de plomo o albayade, obtenido al someter a la acción del vinagre láminas de plomo.
- El azul era el más costoso. El de malaquita se extraía de esta piedra verde, pero el ultramar procedía del exótico y preciado lapislázuli, que venía de Oriente: Persia o Afganistán, tal vez.
- El verde se extraía a través de la oxidación del cobre.
- El amarillo se extraía bien por oxidación del plomo, bien de la planta del azafrán.
- El rojo se obtenía por varios procedimientos. El bermellón se obtenía del sulfuro de mercurio, pero el más utilizado era el tono anaranjado (precioso, doy fe) conseguido con óxido de plomo, denominado "minio", de dónde proceden los términos "miniado" y por extensión, "miniatura", como también se conocen estas ilustraciones religiosas.
- Cuando se incluía el "pan de oro" (a la iglesia siempre le han fascinado los oropeles, para qué negarlo) se preparaba el pergamino con yeso mate y se colocaban los finos panes de oro. Para bruñir el oro se empleaba la piedra de ágata o un diente de animal.

En fin, estos colores obtenidos casi por arte de magia aplicados sobre estas potentes y "pedagógicas" ilustraciones, debían servir para "instruir" a la "iletrada" plebe sobre el inminente "fin del mundo", como aconsejaba Magiu. Desde entonces el género de la literatura apocalíptica, surgido en el ambiente judaico hacia el siglo II a. C., nunca ha dejado de cultivarse, en las letras, en las ciencias y en el arte. Sólo hay que echar un vistazo a la cinematografía de Hollywood inspirada en invasiones alienígenas , meteoritos letales, explosiones nucleares o hecatombes varias. Hoy día son otros los colores y otros los oropeles con los que nos venden la moto y sobre todo, la gasolina. Hemos asitido a sucesivos fines del mundo de hordas de cristianos, mayas, nostradamus, sectas catastofístas del juicio final y agoreros de todos lo pelajes. Pero esto es otra historia...de este mundo. En fin...

Hokusai y el gran pedo del viejo Cézanne

2011-08-02T13:07:00.019+02:00

La montagne St. Victorie -Paul Cezanne (1904)

Recordando mis tiempos de aprendiz (que por cierto, nunca he dejado de serlo) en la decimonónica - y por otro lado efervescente- Escuela de Bellas Artes de Sevilla de los primeros años 80, recuerdo aquellas tardes en las que, resignado, tenía que ir a pintar -caballete y maletin en mano- a parques, plazas y jardines para la asignatura llamada de "paisaje", a luchar con el "motivo" y contra elementos, humanos (profesorado incluido) y naturales (viento, lluvia, etc.). Una vez, una tarde de mucho vendaval, uno de mis lienzos se soltó de las agarraderas del caballete y se fué literalmente rodando por una concurrida plaza hasta estamparse en los pantalones de un infortunado transeunte. Huelga decir que la pintura estaba fresca...y me quedó un bello cuadro abstracto. En definitiva, nunca me gustó la pintura de caballete y menos al aire líbre, aunque respeto a quienes honestamente la ejercen.

Anécdotas muchas, de transeuntes que con mejor o peor intención se permitían opinar sobre el lienzo que estabas pintando, que si esos colores, que si esas manchas, que si nadie pinta como antes, que si el gran Murillo, que si bla, bla, bla. Incluso había quienes, indignados que a su Giralda la llenasen de colorines, se atrevían a cogerte el pincel y dar unos "toques" aquí y allá. "¿Ves, hay que valorar el tono de la piedra con una grisalla, ¿Dónde ves esos naranjas y azules, por dios , que no estamos en carnaval? etc, etc..." Y uno , resignado o malévolo, se dejaba hacer...

Recién se apartaba el "corrector" espontáneo (a veces, también en la figura de mi profesor) y se iba contento con su "gran" obra, borraba su insulsa grisalla y ponía de nuevo mi flamante amarillo indio en las luces, mi toque de mediterráneo azul ultramar en las sombras. Y si recuerdo todo esto aquí y ahora es porque no hace mucho releyendo un pasaje de "Avant et Après" del "salvaje" Gauguin, me encuentro con esta oportuna y parecida anécdota acaecida tiempo ha al gran y viejo maestro Cézanne, que no tiene desperdicio, sobre todo al final, ya se pueden imaginar:

"Cézanne está pintando un paisaje rutilante; fondos ultramar, verdes fuertes, ocres que resplandecen; los árboles se alinean, las ramas se entrelazan pero dejan ver no obstante la casa de su amigo Zola [...]. Está en el Médan.
Pretencioso, el horrorizado paseante contempla lo que considera una lamentable mezcolanza de amateaur y, sonriendo profesoral , le dice a Cézanne:
- Usted pinta.
- Desde luego, pero no mucho...
- Ah ! ya lo veo; yo soy un antiguo alumno de Corot y, si me permite, con unos toquecitos mañosos le pongo todo esto en su sitio. Los valores, los valores...no hay nada más...
Y el vándalo reparte impúdicamente sus tonterías por el magnífico lienzo. Grises sucios cubren las sedas orientales.
Cézanne exclama:
- Monsieur, tiene usted suerte, me imagino que cuando pinta usted un retrato le pone el mismo brillo a la punta de la nariz que a la pata de una silla.
Cézanne recupera la paleta, rasca con un cuchillo toda la basura de Monsieur.
Y, tras un momento de silencio, se tira un pedo formidable y volviéndose hacia Monsieur, dice:
¡Ah, qué alivio ! "

La genial y escato(lógica) respuesta de Cézanne bien sería digna de un maestro Zen. Y a tener en cuenta cada vez que uno inicie discusiones filisteas sobre problemas de arte que se plantean mal desde el principio y acaban peor. Así que, para terminar y redondear el post que comenzaba con la majestuosa montaña de St. Victoria en la Provenza francesa, lo termino con otra montaña de arte, que será vista e inmortalizada como la montaña de Hokusai (inspirador por cierto de más un pintor impresionista y habitante de lujo en mi museo imaginario): el venerado Monte Fuji...Lo dicho ¡ qué alivio !

Newton y las manzanas del roble

2011-07-26T18:17:00.010+02:00

Fotografía vía http://www.floresyplantas.net/

Muchas veces, en mis excursiones por el monte en busca de setas, me llamaron la atención esas curiosas bolas resinosas en forma de ampollas redondas que aparecian colgadas bajo las hojas y en las ramas de ciertos árboles. Con el tiempo me enteré que éstas se llamaban "agallas" y que son provocadas por ciertos insectos que ponen sus huevos en los tejidos vegetales. Un reciente documental de la televisión sobre las curiosas estructuras del mundo animal me lo ha recordado, así que me he puesto a investigar un poco. ¿Y qué tiene que ver Newton en todo esto? Paciencia, que es la madre de la ciencia y vayamos por partes...

Las "agallas" pueden formarse en cualquier parte de la planta o el árbol, pero aparecen sobre todo en puntos donde hay células activas en fase de crecimiento o división como las hojas o los tallos jóvenes. Desencadena su crecimiento el efecto químico de secreciones de los organismos infestantes, por lo general insectos u hongos. Adoptan formas muy variadas, dependiendo del parásito que la causa; por lo general, cada especie de organismo formador de agallas infecta un órgano concreto de la planta. Dichas secreciones, normalmente en forma de ampolla o bola, se debe al estímulo de crecimiento inducido por los huevos o por las secreciones de las larvas que lo utilizan como capsula o escudo protector durante su fase de crecimiento. Las avispas de las agallas, que pertenecen a la familia de los Cinípidos engloba el mayor número de insectos formadores de agallas, llamadas populamente "manzanas del roble" , por la bola marrón-verdosa que queda en las hojas o en las ramas una vez que el insecto adulto abandona su refugio.

Pues bién, el caso es que varias agallas causadas por insectos del género Cynips son fuentes importantes de ácido tánico ( los populares taninos, un compuesto habitual de los vinos tintos ). La agalla comercial causada por la avispa Cynips gallaetinctoriae, que afecta a varias especies de robles euroasiáticos, contiene alrededor de un 65 % de ácido tánico. Estas agallas se conocen desde hace tiempo porque se cosechan y comercializan como fuente de taninos para el curtido de cueros y la fabricación de tintas permanentes y duraderas. Muchos pergaminos y códices de la Edad Media se escribieron con tintas derivadas de estas agallas, así como textos literarios y muchos manuscritos científicos, antes del famoso invento de Gutemberg, la imprenta. Por tanto debemos a estas avispas y las diminutas "manzanas del roble" la transmisión de muchos conocimientos.

Manuscrito de Newton sobre la Ley de Gravitación Universal

Y con la fiable tinta de la "manzana del roble" escribió sus más ilustres descubrimientos científicos nada más y nada menos que Isaac Newton, incluso aquellos que hablan de otra famosa manzana que dio origen a su ley más universal. Curioso ¿no?

Cuando los colores tenían magia (I)

2011-07-14T17:47:00.005+02:00

Imagen vía Kremer-Pigmentes

Amarillo de Nápoles, azul de Prusia, carmín de Garanza, índigo, azurita, oropimente, alizarina, siena tostada, etc., ...son sonoros, exóticos y evocadores nombres de colores y pigmentos que nos hacen viajar en el tiempo y soñar con lejanos destinos de ultramar, nombres que tal vez se pierdan en la noche de los actuales tiempos digitales bajo el imperio de los píxeles, de los tonos PANTONE, el CMYK o el RGB de los monitores electrónicos . Ahí están, olvidados en frascos en los anaqueles de vetustas droguerías o estampados en algunos de esos mugrientos tubos de pintura al óleo en los estudios de los artistas de la vieja escuela pictórica.

Sin embargo, hubo un tiempo en que los colores eran las más codiciadas y secretas de las especias que surgían de las profundidades de la tierra o de los exclusivos talleres de los alquimistas. Sí, hubo un tiempo donde se asociaban en una ambigua mixtura la magia con la química, la ciencia con la alquimia. Porque hubo un tiempo en que la alquimia no tenía las connotaciones brujeriles y cinematográficas que hoy tiene. Hasta el siglo XVIII era perfectamente normal que la gente ilustrada tuviera algunos conocimientos de alquimia. Paracelso, influyente médico suizo y precursor -dicen- de la quimioterapia, fue uno de los alquimistas mas conocidos del siglo XVI. Incluso científicos de la categoría de Newton tal vez dedicaran más tiempo a sus experimentos alquímicos que a las teorías científicas que transformaron la ciencia del siglo XVIII. Y si tan ilustre científico lo ocultó fue por la mala fama y los riesgos que el conocimiento de esos “saberes” tenían en su época. De hecho, la literatura alquímica está plagada de referencias al lenguaje de los colores y los tintoreros: se hablaba de “teñir” las piedras y los metales, incluso la misma y famosa piedra filosofal se la llamaba en el argot alquímico la “tintura”. La propia palabra "alquimia" parece se que procede del árabe "al-kimiya", que viene a significar tierra negra", aunque hay otras interpretaciones.

Imagen vía Tarolia

Y más historias coloreadas de magia: había una sustancia misteriosa que llamaban el “rey rojo”que no era otra cosa que el bermellón (actualmente una forma sintética del sulfuro de mercurio) , un tinte rojo que fue muy apreciado por los pintores de miniaturas medievales , que por cierto, miniatura deriva precisamente del “minium” , la laca roja que se utilizaba para miniar (miniare) los manuscritos y códices. El bermellón en su forma natural ( el mineral del cinabrio) se empleaba ya desde la antigüedad. Pues bien, según las fuentes atribuidas al influyente alquimista árabe del siglo IX, Yabir ibn Hayyan (también conocido como Geber, para muchos el padre de la química) el azufre y el mercurio ( también conocido como “azogue”, la materia de los espejos) eran las sustancias o “principios” que formaban todos los metales. El oro encarnaba el equilibrio perfecto entre estos dos principios. De hecho, Yabir creía que el plomo y el oro eran tan parecidos que un simple añadido de azufre a la "fórmula" original del plomo podría transformarlo en el codiciado metal áureo. Alberto Magno, otro famoso alquimista lo describió de forma más “poética” : decía que el azufre era como el semen masculino y el azogue como el fluido menstrual que se condensa para formar el “embrión”...

Quimeras aparte, lo cierto de todo esto es que aquellos artistas medievales compraban sus productos y pigmentos a boticarios y farmacéuticos, gente quizá más próxima a la tierra y el pueblo que los alquimistas, pero no debemos olvidar que en aquellos tiempos la magia era tan real para la gente ordinaria como para los adeptos a la alquimia. La creación y posterior comercio y monopolio de muchos de aquellos nuevos y fascinantes colores (y hablaremos del púrpura, por ejemplo) desencadenaron guerras y revoluciones ... modestos fabricantes de colores de los que surgieron grandes empresas químicas que aún hoy están en lo más alto como la todopoderosa Bayer (sí, la de las populares aspirinas o el redoxon), BASF (¿quien de los tiempos del cassette no ha tenido una cinta grabada de esta marca?) o Hoechst, todas ellas inicialmente, pequeñas empresas fabricantes de anilinas y tintes sintéticos para la industria.

En fin....historias que darían para muchos, muchos post. Éste de hoy es sólo una pincelada...de magia y color, claro. Hagamos un viaje...crucemos el arco iris.

Silencios (II)

2011-07-11T13:31:00.009+02:00

A mi Madre

Ay, vieja Singer,
en silencio la araña
ha hecho su casa.

Summertime

2011-06-25T00:14:00.002+02:00

Llegó el verano....vacaciones para unos y trabajo para otros. Eso sí, calor, mucho calor. Una curiosa animación inspirada en la memorable canción de Billie Holiday.

#15M: Una revolución en el punto de mira

2011-06-21T18:11:00.014+02:00

Distintas visiones en forma de audiovisuales que ha generado el Movimiento 15M dentro y fuera de nuestras fronteras. Réplicas en distintos rincones del mundo. El tsunami social de #spanishrevolution. Para no olvidar, para reflexionar, para hacer crecer la semilla plantada...no nos vamos...nos expandimos en las conciencias venideras.

Accordion

2011-06-08T23:02:00.009+02:00

Este corto de animación explora las conexiones entre el sexo, el amor y la tecnología. Animación de Michèle Cournoyer (2004). Lo he encontrado en la impresionante web NFB/interactive (National Films Board of Canadá ) . También me ha llamado mucho la atención el proyecto Out My Window (Desde mi ventana) .

Lo que está pasando... según Galeano

2011-05-31T01:31:00.007+02:00

Clarividentes, cautivantes y poderosas palabras del uruguayo Eduardo Galeano sobre su visita a las #acampadasol y #acampadaBCN. No tiene desperdicio ni lo que cuenta ni cómo lo cuenta...

Imaginación, comunidad y oportunidad [ PurposedES]

2011-05-23T00:15:00.002+02:00

No es este solitario refugio insular de la blogosfera un lugar adecuado para este tipo debates. Sin embargo, como docente y padre de un niño de 10 años que soy, no podía rechazar la propuesta de mi amigo Jaume Olmillos y acepto encantado el reto de participar en el proyecto purposedES. A estas alturas bien poco puedo aportar que no se haya dicho, que no se haya debatido ya en los posts y en la gran cantidad (y calidad) de comentarios vertidos en todos y cada uno de los excelentes blogs participantes, que son muchos ya . Pero es mi turno y haré mi humilde contribución con 500 palabras mal contadas (que, conociéndome, seguro me excederé) y que voy a (intentar) sostener en tres patas ( sí, ya se que tres patas son inestables, pero eso mismo hace mantenerme en alerta y no dar nada por "sentado"). Pero antes, quisiera comenzar visualmente con una fantástica presentación del amigo (y desearía que tal vez algún día, también compañero de aventuras "iedianas" ) Antonio González ( en twitter conocido como @onio72) que en clave "web 2.0" creo que ilustra con imágenes sugerentes y unas pocas frases los propósitos que nunca sabré expresar ni con 500 ni con 1000 palabras en este post.

Imaginación, comunidad y oportunidad. Son las tres patas de mis tres propósitos para cambiar la educación. La cuarta apuntala el conjunto y no es otra que la ilusión.Y el reto es hacerlo con #500palabras. Quienes nos interesamos hoy día por la educación y el devenir de la escuela pública, tenemos más conciencia que nunca de la dificultad de reconciliar las expectativas sociales con las necesidades de niños y niñas que han de saber desenvolverse en un mundo de vertiginosos cambios que tal vez ni podamos ni sepamos imaginar dentro de unos años. Oímos constantemente en boca de políticos -y últimamente, de guruses mediáticos y científicos de reconocido prestigio internacional- eso de que no estamos haciendo las cosas bien, que en las pruebas de diagnóstico no alcanzamos los niveles exigidos, que no estamos preparando a nuestro alumnos para los retos tecnológicos, que no aprovechamos el potencial y la curiosidad natural de los niños, que en las escuelas estamos matando la creatividad y el talento, etc, etc...La verdad en todo esto es que para que otra escuela sea posible y más allá de criticas agoreras e imposturas varias, es necesaria una radical transformación, tanto desde el punto de vista dinámico de la disciplina y la didáctica, como desde el punto de vista estático del programa y del currículo.

De un tiempo a esta parte y viendo la importancia social , política y mediática que se le dan a los famosos -y temidos- "informes" PISA, a los índices de fracaso escolar, a las exigencias "políticas" de rigor y "resultados", a los planes de calidad, al elevado coste de la implantación de las TICs, a la recuperación de la cuestionada autoridad y otras tantas preocupaciones más, no es de extrañar que algunos de estos niños y niñas sean más considerados como recursos humanos que como personas. Durante buena parte del tiempo se habla de ellos como materias primas que hay que moldear en función de las demandas del mercado. Y el mercado es ideología. Por eso será que nuestros políticos repiten una y otra vez eso de "invertir" en educación.

Y mientras tanto, un grupo de docentes cada vez mayor, cada vez más unido a través de las redes de la web social y por ello, cada vez más consciente e ilusionado, se aísla de críticas pesimistas y del ruido mediático y se arriesga en trabajar con toda su ilusión , en utilizar colaborativamente los recursos disponibles (también -no sólo- las TICs) para que tod@s los niños y jóvenes tengan su oportunidad, adquieran una serie de habilidades y conocimientos para la vida y en definitiva, sean felices aprendiendo y se impliquen en los diversos aprendizajes que le serán útiles como personas de pleno derecho en el seno de su comunidad democrática. Un grupo de docentes que intenta que sus aulas sean educativas y reflexivas al mismo tiempo, creando contextos y experiencias que alientan en sus alumnos y alumnas una sensación de valía y capacitación personal para la vida, diversa y plural que les va a tocar vivir. Y lo que es más importante, comparten desinteresadamente sus experiencias y conocimientos.

Sesión de trabajo en EPV . Programa MUS-E /IES A. Domínguez Ortiz/2011

Y cuando digo tod@s , me refiero también a esa ciudadanía "invisible", esa creciente población joven multicultural que llega "etiquetada" y sin expectativas a los centros educativos y que los expertos de la pedagogía literaria llaman de "riesgo", no tanto por la compasión que despiertan sino más bien por el "riesgo" que supone su condición al "resto", a nuestra seguridad y comodidad, así como a nuestros hijos, a nuestras escuelas, a nuestros barrios, etc. Muchas de las pretendidas soluciones de "compensación educativa" que se les han querido dar no dejan de ser puertas traseras por las que darles el boleto nuevamente para la calle y engrosar los índices de abandono y fracaso escolar. También ellos y ellas tienen el derecho a ser sujetos activos y no simples receptores de información pre-digerida. También ellos tienen derecho a explicar sus propias historias, a formular sus propias preguntas, que estén presentes - con sus virtudes y defectos- en el mundo común.

Como profesores y maestros debemos hacer entre todos ese necesario esfuerzo intensificado para romper los férreos marcos de la costumbre . No hay planos ni mapas específicos que nos guíen hacia una sociedad mejor o siquiera, hacia un mejor sistema escolar, pero haríamos bien si comenzáramos a unir ilusiones y voluntades , a creer y trabajar desde esta posibilidad de transformar la escuela desde dentro y entre tod@s. De hecho, ya lo estamos intentando con iniciativas como #purposedES...

Y antes de consumir mis últimas palabras disponibles, quisiera también hablar algo, sólo un poco, de arte e imaginación. Hoy más que nunca la educación necesita recuperar el camino de la imaginación, re-definir sus procesos y contenidos y dejar -por ejemplo- más espacios para el arte y la música, en sus muchas facetas lúdicas o formativas. La imaginación es tan importante en la vida de los profesores como en la de sus estudiantes porque si no somos capaces de ejercer nuestro trabajo con creatividad para que en el aula se abran perspectivas innovadoras que induzcan a los jóvenes a pensar, a mirar y a escuchar de otra manera, no podremos convencerles para que empleen de forma natural y espontánea la imaginación. Porque la imaginación se construye y se alimenta. Pensemos en nuestras vidas dentro...y fuera del aula, en nuestras rutinas diarias y docentes...pensemos en Mi célula creativa ese genial vídeo que la amiga Estrella (@starpy) publicó no hace mucho en su emotivo post de #purposedES ...pensemos que para cambiar la educación tenemos que empezar a cambiar nuestro pequeño mundo, como cantaba Bowie en esta vieja y preciosa canción, "Changes"

El tsunami social de #spanishrevolution

2011-05-20T10:54:00.017+02:00

Incluso en esta apartada isla bloguera es imposible no quedar sacudido por este terremoto de indignación social que recorre de punta a rabo pueblos y ciudades de nuestro país y como réplicas en aumento, en parte de Europa y Latinoamérica. Sacudida producida por el eco social y reivindicativo de miles- millones ya- de voces que están hartas de tanta prevaricación, de tanta corrupción en las esferas de la política y de la banca nacional e internacional. Voces ciudadanas ante la que es imposible no emocionarse, no sentir ese cosquilleo que sólo se siente en momentos especiales de nuestra historia...

Hartas de que esta última en beneficio propio hipoteque la vida y los sueños de millones de ciudadanos, hartas de ver cómo han sido anuladas de la esfera pública, ninguneadas en las decisiones que afectan a sus vidas, a sus barrios, a sus pueblos, a su futuro...hartas de ser ratones en Mouseland que tienen siempre que decidir entre gatos blancos o negros a quienes votar y que sólo se diferencian en la forma en que van a ser descaradamente engañados para ser devorados.

Y encima, demostrando al mundo y a la clase política en particular que la comunicación, el respeto y la transparencia son las bases para encontrar soluciones y llegar al consenso. Organizando acampadas, asambleas, utilizando colaborativamente las redes e internet para universalizar las acciones, los procesos,....

Hay quien quiere ver en esta #spanishrevolution una simple pataleta juvenil de ociosos estudiantes que tuitean revoluciones con el iPhone, hippies desencantados que fuman marihuana o medios de comunicación que en su obcecada ceguera se empeñan en defender que es una sucia estrategia para reventar la campaña electoral. Pero se equivocan y mucho. Es mucho, mucho más: hay intervenciones ciudadanas en las radios y emisoras locales, se crean torbellinos de hashtags (#acampadasol, #acampadavalencia, #acampadabcn ,#acampadasevilla, etc.) para cada lugar y ocasión, para unificar acciones ( #democraciarealya, #spanishrevolution, #nonosvamos, #yeswecamp, #notenemosmiedo, #juntaelectoralfacts, #esunaopcion, #tomalaplaza, etc.) se elaboran manifiestos colaborativos, se usa el móvil, el streaming o las retransmisiones en directo para que todo el mundo y en tiempo real sepa lo que está pasando y se sienta en la cercanía o en la distancia partícipe del cambio y del momento histórico que a velocidad de vértigo estamos viviendo. Una lección de ciudadanía en toda regla que ha traspasado nuestras fronteras y ha encontrado eco y réplica con pequeñas y grandes acampadas en gran parte de las grandes ciudades de Europa...

Porque lo que se pide es un poco de cordura, un cambio, una nueva forma de entender la política desde la ciudadanía y el sentido común. Casi nada y casi todo... Y creemos que estamos preparados. Tenemos los medios necesarios, cultura y asesoramiento (abogados, periodistas comprometidos como periodismohumano o Ignacio Escolar, etc.) y lo que es más importante, ilusión y una rabia contenida y acumulada durante años y años de ineptitud política que hacen que estalle la patata caliente, que hacen que sintamos que aquí y ahora es el momento de intentarlo porque la indignación no conoce de edades, no entiende de clases, sólo sabe que la unión hace la fuerza, nuestra fuerza...

En un excelente artículo de Delia Rodriguez para El País, Los virales de la #spanishrevolution, podemos hacernos una idea bastante acercada de las dimensiones de este ilusionante, ahora sí, tsunami social.

Maravillas audiovisuales (II)

2011-05-06T01:08:00.012+02:00

La feliz conjunción de música e imágenes en manos de artistas del diseño y la animación gráfica da pequeñas maravillas audiovisuales como aquellas que ya posteara tiempo atrás y como las tres nuevas muestras que traigo para amenizar esta solitario refugio insular.

Prosper from wendell mc shine on Vimeo.

Pielroja en territorio comanche

2011-04-28T01:28:00.009+02:00

Voy a desvelar un pequeño e intrascendente secreto. Quienes me conocen de Twitter saben que por allí campeo y tuiteo a mis anchas con el nick "comanche" de @manuelpielroja . Pues bien, este nick tiene varias historias. Una de ellas, la principal, fue el toparme hace algunos años (cómo pasa el tiempo) con una cita de Kafka en el blog de un amigo (no recuerdo bien si procede de La Condena o de Amerika) que tomé como santo y seña (junto a mi primer y querido avatar de la izquierda que estos días tengo "recuperado") a raíz de una serie de circunstancias en el barrio del Polígono Sur con nuestro blog Iguales en las Tres Mil que ahora ya poco importan.

Dice así:

"El deseo de ser piel roja:
Si uno pudiera ser un piel roja siempre alerta, cabalgando sobre un caballo veloz, a través del viento, constantemente sacudido sobre la tierra estremecida, hasta arrojar las espuelas porque no hacen falta espuelas, hasta arrojar las riendas porque no hacen falta riendas, y apenas viera ante sí que el campo era una pradera rasa, habrían desaparecido las crines y la cabeza del caballo."

Imagen Desde el exilio

Y así, tras quedar pensativo con este texto y al poco, entrar a saco en las praderas tuiteras, decidí que @manuelpielroja sería en adelante mi nick. Hasta hoy. Y que dure...

Las vueltas que da el olivo las heredará la aceituna

2011-04-21T16:42:00.022+02:00

Fotografía de Domenico/Kiuz en Flickr con licencia creative commons

El título del post es un viejo y sabio refrán andaluz, cuya pista se pierde en la noche d e los tiempos, casi como el ancestral origen del olivo ( Olea Europaea). Dicen que este milenario árbol proviene del Asia Central. Hoy está presente en toda la cuenca mediterránea y en la simbología y folclore de distintas culturas y religiones que florecieron en sus orillas, entre ellas, como no, Andalucía, tierra de olivos donde las haya.
¿Quien no recuerda a los famosos y altivos aceituneros de Jaén, ese bello poema, casi himno de Miguel Hernández inmortalizado por Paco Ibáñez ?

No hace mucho tuve un accidente al caer de un olivo en una finca de mi familia. Me partí el tobillo. El caso es que al toparme leyendo un libro con este refrán, me ha dado por reflexionar sobre él y sobre mí mismo. En su momento y durante mi obligada inmovilidad por la lesión, leí y dibujé. Y dibujé como terapia árboles...y olivos.

Ofrenda (I) 2010 (Ver imagen ampliada)

Es un árbol el olivo de crecimiento lunisolar y la torsión de su tronco, cuando alcanza la centenaria edad, es un prodigio que ha dado pie seguramente a este refrán andaluz. Su dura y fibrosa madera es muy codiciada por carpinteros, artesanos y escultores merced a sus atractivas vetas, obras de arte en sí mismas.

Y acordándome del olivo que Lola, Pilar y Daniel, los tres hijos de mi malogrado y desaparecido amigo, el pintor Lolo Pavón, plantaron y riegan en su huerta y en su memoria, vuelvo al dicho "las vueltas que da el olivo las heredará la aceituna".

Este refrán también nos dice de forma metafórica que los retorcimientos de su tronco reflejan el fluir generacional, en el sentido que somos completados por nuestros descendientes, que lo que es abierto y retorcido en nosotros, ellos se encargan de cerrarlo en una elipse lisa y perfecta: el fruto, la preciada y oronda aceituna que encierra en su interior no sólo todas las vueltas y retortijones del olivo sino también su no menos preciado oro líquido, el aceite, la joya de la corona de nuestra gastronomía, de gran parte de nuestra cultura y de nuestra salud.

Y a propósito de los "andares" y las vueltas de la vida, voy a citar otro refrán , esta vez del pueblo tarahumara , comunidad indígena mexicana de escasos setenta mil habitantes, oculta en los cañones de la Sierra Madre Occidental, a donde fueron a esconderse de los abusos de los exploradores españoles del siglo XVI . El refrán en cuestión dice algo así como que "tantas vueltas da la vida que por fin llega allí donde está". Y acordándome que hace tiempo leí un curioso ensayo que el polifacético escritor, pintor y dramaturgo Antoni Artaud escribiera allá por 1936 sobre los indios tarahumaras y su ancestral culto al peyote, un cactus con potentes propiedades psicotrópicas que recuperaría en los años 70 Carlos Castaneda con su popular saga sobre el chamanismo tarahumara a partir de la publicación de sus Enseñanzas de Don Juan. El caso es que habla Artaud en su ensayo acerca de la importancia que estos pueblos indígenas del norte de México dan al hecho de usar las piernas, andar o correr. Observa que muchas de sus fiestas populares consisten en carreras de resistencia y velocidad.

Fotografía vía http://caraboborunners.com.ve/portal/

Al igual que algunos pueblos tibetanos, los corredores tarahumaras se atan pesos a su cintura para ir poco a poco despojándose de ellos en la carrera, sintiéndose más ligeros y libres. Dicen quienes los han visto que lo hacen como si el cansancio no existiera. Estos mexicanos pueden correr el ultra maratón más exigente a los cincuenta y pico de años, venciendo a atletas tres décadas menores, con una sonrisa en la cara. De hecho, Artaud habla de que entraban en un estado de trance al correr, que se sabían poseedores de una antigua tradición terapéutica en la que correr era un medio para alcanzar la iluminación y para llegar a un estado mental tal de excitación ultrasensorial que llegan a ver la realidad "como si la observasen con una lupa de varios aumentos". El caso es que también los tibetanos conocen esta técnica que ellos llaman "calor interno" o tumo. El chaman Krishnamurti contaba la parábola del viajero que había pasado la vida dando vueltas para llegar, por fin y ya viejo, a su propia casa y comprender que era eso precisamente aquello que había estado buscando durante tanto tiempo. Y así terminamos, a vueltas con la aceituna, sabiendo que todas las vueltas que da el olivo siempre sirven para algo.

Y me entero mientras redacto este post que hoy es el Día Mundial de la Tierra. Pues eso, como la tierra, el olivo. Todo lo que hagamos hoy por la Tierra nos lo agradecerán nuestros descendientes aceitunados.

Jorge Camacho, el último clásico surrealista

2011-04-02T19:41:00.010+02:00

Con tristeza me entero por la prensa del reciente fallecimiento de un viejo conocido, el pintor de origen cubano Jorge Camacho, residente en París pero muy vinculado durante gran parte de estos últimos 20 o 30 años a las gentes y paisajes del entorno de Doñana. Residía y pintaba durante algunos meses al año en una casita en medio del campo donde tuve la suerte de visitarle en varias ocasiones. Me hablaba con pasión de la naturaleza de Doñana, del arte y de la pintura, especialmente de los grandes maestros como Miró, de quien era un ferviente admirador. Y por supuesto , me hablada de su paisano el gran pintor Wilfredo Lam, pero también de Yves Tanguy . Gran amigo del escritor disidente Reinaldo Arenas (fallecido en Nueva York en 1990 y a quien tan bien interpretara Javier Bardem en "Antes que anochezca" dirigida por el pintor Julian Schnabel) o el poeta Lezama Lima, escritores con los que compartió vivencias en los inicios de la revolución cubana, aunque luego se marcaran sus diferencias. Ambos ejercieron una gran influencia en su evolución artística.

También entre sus influencias es fácil encontrar los rastros de las culturas precolombinas, especialmente los códices mayas o aztecas. Sus lienzos, dibujos, grabados y litografías están poblados de seres imaginarios, paisajes oníricos de tonalidades terrosas en los que es fácil reconocer la indómita presencia de la flora y fauna del Parque de Doñana, en los que abundan inquietantes presencias óseas medio animales medio vegetales, un mundo de totems, zonas de apariciones y desapariciones, moradas subterráneas... Todo ello pintado con una técnica minuciosa y esmerada, que tanto recuerda al maestro Joan Miró. Artista inquieto, incansable viajero y polifacético, se ha interesado por igual por la ornitología, la fotografía, el cine, la poesía, el esoterismo y la alquimia. Dejo este entrañable y poético minidocumental realizado por su paisana y escritora, Zoe Valdés en 2007.

Haikus, Hokusai y las pinturas del mundo flotante

2011-03-21T22:17:00.015+01:00

"La gran ola en Kanagawa" HOKUSAI

Me prometí no escribir durante algún tiempo, me prometí dejar reposar las cosas insulares y mis crónicas para dar prioridad a otras urgencias y menesteres que merecían mi atención. Pero tuvo que suceder lo de Japón y pensé en ese post sobre el pintor y maestro grabador Hokusai que tenía guardado en borradores para mi Museo Imaginario. Y pensando sobre todo en la coincidencia de la imagen que tenía preparada, una de sus mas bellas y famosas xilografías , "La gran ola en Kanagawa", con el reciente y mortífero tsunami que ha hundido a Japón en el caos y la destrucción junto al devastador terremoto y la posterior rotura de los refrigeradores de la central nuclear de Fukushima, haciendo temer lo peor de lo peor.

Quise pues hablar sobre Hokusai, uno de los principales artistas de la escuela Ukiyo-e: las conocidas como "pinturas del mundo flotante". Pero aquí y ahora quisiera dejar sólo unas breves pinceladas. Katsushika Hokusai, conocido simplemente como Hokusai (nacido y muerto en Edo, actual Tokio, 1760-1849) "el viejo enojado con la pintura", como él mismo se definía, murió a los 89 años, sin haber satisfecho la búsqueda de la última verdad sobre la pintura. Podemos hacernos una idea de la humildad de Hokusai como artista leyendo sus palabras, escritas quince años antes de morir:

[...] a la edad de cinco años tenía la manía de hacer trazos de las cosas. A la edad de 50 había producido un gran número de dibujos, con todo, ninguno tenía un verdadero mérito hasta la edad de 70 años. A los 73 finalmente aprendí algo sobre la calidad verdadera de las cosas, pájaros, animales, insectos, peces, las hierbas o los árboles. Por lo tanto a la edad de 80 años habré hecho un cierto progreso, a los 90 habré penetrado el significado más profundo de las cosas, a los 100 habré hecho realmente maravillas y a los 110, cada punto, cada línea, poseerá vida propia [...]

Recuerdo un emotivo haiku de Nakamichi (1898), de esos que, por tradición, los monjes zen, los poetas y los japoneses en general, dejaban escritos cuando veían cercano el día de su muerte :

Atsui yo ni
Koi to kiyuru
inochi kana

(Hielo en un mundo cálido:
mi vida
se funde)

Hoy, precisamente, la popular y concienciada red social de twitter ha amanecido inundada de poesía en forma de haikus para celebrar el Día Mundial de la Poesía a través de distintos blogs en merecido homenaje a la cultura nipona y a la difícil situación humanitaria que está atravesando el pueblo japonés. Yo mismo he colaborado aportando mi granito de arena. Ya saben los amigos y amigas de Ínsula Dulcamara mi vieja devoción hacia esto pequeños y exquisitos poemitas de tres versos de 5, 7 y 5 sílabas típicos de la tradición literaria japonesa junto al tanka (cápsulas de poesía, los llamaba Octavio Paz en su introducción a las traducción que realizó del maestro del haiku Matsuo Basho y su mítica obra, "Las sendas de Okú") . Dejo aquí en conmemoración de este día y dedicados especialmente al pueblo japonés, varios de ellos...

Historias de Salamanca

2011-02-28T21:30:00.010+01:00

foto de Educación3_o en el álbúm de #quedadasalamanca11 en Flickr

¿Por dónde empezar la crónica? ¿Qué decir que no hayan dicho ya @gregoriotoribio, @SilviaGongo, @Sinfonia40, @juanigncastro,@Juancarikt y casi todos y todas en sus blogs. Así como el agua es difícil de contener entre los dedos, es igualmente difícil hablar de estas pequeñas y grandes historias que hemos vivido en Salamanca sin que se me escapen tantas y tantas cosas intentando retener algunas de ellas. Decir antes que nada que el acogimiento por parte de ese lujo de anfitriones - en las bellísimas personas de carne , hueso y corazón que son Carmen y Curro- ha sido sencillamente soberbio.

Todo, todo ha rozado la perfección: programa, paseos, comidas, bailes, charlas. Hasta el clima se ha congeniado regalándonos a tod@s una Salamanca radiante de sol y festiva que lo ha hecho todo, todo más fácil y acogedor. Si pudiera santificar a Twitter por haberme dado la oportunidad de conocer a tanta gente con tanta cosas que ofrecer, no lo dudaría. Sin twitter tal vez yo no estaría escribiendo esto porque tal vez nunca hubiera estado con unos y otros en esta bella ciudad que es Salamanca. Esto es así y no hay que darle más vueltas. El pensar que mucha gente aún ven estas "quedadas" de docentes como "algo de frikis" me da risa y tristeza a la vez. Es impresionante descubrir que tras la pequeña ventanita de esos avatares y tras cada uno de los tweets hay personas con tanto que ofrecer, personas que tienen maravillosos proyectos humanos y educativos, personas que comparten desinteresadamente sus conocimientos y aún más, sus emociones e ilusiones. Personas que a pesar de convivir y departir con ellas solo durante un escaso día o dos, me parecen más cercanas y amigas que otras con las que llevo trabajando años y años. Personas que soñaría tener reunidas y de compañeras no en el claustro de un convento sino en ese Claustro Ideal y "real" que tanto anhelamos en estos tiempos difíciles para la educación.

Mis agradecimientos -como mi sueño de escuela- son expandidos a tod@s y cada un@s de quienes han hecho posible estas historias, a quienes ya abrieron la veda en #quedadaMadrid10 y a quienes continuaron en #GranaBFY10 y no sería de justicia nombrar a unos sí y a otros no. Tal vez con algun@s hablara mucho, algo o poco o nada. Todo sucede a nuestro pesar, deprisa. Quedan conversaciones, risas, bailes con Twits & Tweets (¿a que sí @NicolasaQM?) y paseos pendientes. Y queda el inmenso detalle del señor Origami para con mi hijo Mario, el mago de manos asombrosas que hace soñar y alucinar a propios y extraños con simples trozos de papel. Gracias artista, gracias @bernabe. Tal vez no nos den puntos ni papeles ni "certificados" por estos encuentros y reencuentros "deseducativos" a lo largo y ancho de nuestra geografía y ni falta que nos hace. La amistad no entiende de papeles ni de laureles. No sabría explicar esto, sólo puedo decir que es así como lo siento. Como dijera en un memorable brindis el amigo Jose Luís Castillo (@jlcastilloch):

"Aquí hay mucho talento y esto supone una gran responsabilidad".

Tal vez ya dije más de lo que pensaba decir. Espero que os guste el vídeo, mi pequeña aportación ya que no soy por lo general de mucha locuocidad (Bueno, si me emborrachan sí que sí, eh @SilviaGongo) , os dejo sin más historias pues eso, mis Historias de Salamanca...

PD. Ruego me perdonéis algunas de las erratas del vídeo: frases cortadas, poner "Concejala de Cultura" en vez de " de Relaciones institucionales" y alguna que otra imprecisión horaria y ortográfica. Ganas que tenía de "soltarlo" y publicarlo.

Crónica de un instante (VII): Lolo Pavón se fue a decorar el cielo

2011-02-22T22:48:00.010+01:00

"Confusión mixta" Óleo de Lolo Pavón (2002)

Me es difícil, muy difícil escribir una reseña sobre Lolo Pavón en estos momentos. No podría mantener el temple y la distancia necesaria porque no sabría separar debidamente las cosas, las imágenes, los recuerdos, las conversaciones,….Pero Pilar, su compañera, me lo ha pedido para un catálogo y una exposición que le van a dedicar en su ciudad natal , San Fernando. Así que voy a hacer de tripas corazón e intentaré hablar si no de arte , sí de sensaciones y de amistad.

Tengo la inmensa suerte de tener varios cuadros de Lolo en casa. Suelo mirarlos a menudo y con un nudo en la garganta, reflexionar sobre la esencia del arte y de la vida. Irradian una energía especial que se expande más allá del marco, más allá de la pared donde están colgados. Impregnan el aire de tal manera que uno se siente rápidamente poseído y habitado por esa esencia, por ese arte latente de quien verdaderamente ha sido y vivido como un artista. Es como si sus cuadros me miraran y no al revés. Me recuerdan, me están diciendo que hay que sentir y vivir el arte por todos los poros. Es la magia que tiene el verdadero arte. Y Lolo lo tenía, a raudales.

Sobre Lolo han dicho muchas cosas y todas bonitas, todas maravillosamente tiernas, como por ejemplo que fue “un niño grande y un zangolotino feliz”, que era además de un inmenso artista, una maravillosa persona de trato afable, con gran sentido del humor, de animada conversación y (paradojas del destino) todo corazón. Y doy fe de que así es, que así siempre fue Lolo Pavón. Porque nos conocimos en los lejanos y bohemios tiempos de la Escuela de Bellas Artes en Sevilla y desde entonces –a pesar de las vueltas de la vida y las distancias- hemos sellado una de las amistades más sinceras que he tenido el gusto de compartir y sentir.

Así que ruego me perdonen si hablo más de sentimientos que de arte. Me vienen a la memoria tantas emociones, descubrimientos, casas, pinturas, pinceles, músicas, amigos y tantas otras cosas que sería aburrido aquí y ahora, enumerar. Y eran tiempos de dudas e incertidumbres donde hablábamos mucho de las cosas de la vida y por supuesto, de arte. Le he visto crecer como artista. He visto como su obra se ha ido haciendo cada vez más personal y auténtica, cómo su paleta de tonos apagados y su temática expresionista de los primeros años ochenta (bajo el poderoso influjo de la pintura y obra gráfica de Edvard Munch) pasó a iluminarse con un estilo de dibujo y una gama cromática personalísima, alegre y festiva que es una de sus señas de identidad.

Como la vida misma las pinturas, los dibujos y las esculturas de Lolo Pavón están llenas de líneas, caminos y bifurcaciones que conducen a un único y mágico lugar que sólo los verdaderos artistas alcanzan: ese lugar llamado arte, ese lugar que para Paul Klee -un artista al que admirábamos ambos con pasión- no reproduce lo visible, sino que “hace” visible.

Y así es, viendo ahora -y en su dolorosa y prematura ausencia- muchas de sus obras en mi pared o en una galería de arte, pienso en todas las cosas a la vez sencillas y complejas que por ellas hace visibles, todos esos sueños, esa alegría de sentir y de vivir, esos personajes y mundos al límite de la distorsión, esas inverosímiles historias entrecruzadas, esos paisajes de la infancia y de la memoria, esa sinfonía casi musical de colores… Por todo ello, Lolo Pavón ha tenido la inmensa suerte de no irse del todo, de quedarse del lado de acá de quienes aún creemos en la fuerza magnética que tienen las genuinas obras de arte.

Y no se ha ido, como decía su hija Lola, "Lolo Pavón se fue a decorar el cielo". Y éste es el emotivo nombre de la exposición...

Y para cerrar, un pequeño tributo en vídeo con su obra y escuchando su música y su voz...

Lolo Pavon se fue a decorar el cielo on PhotoPeach

Crónica de un instante (VI) : La vida contigo

2011-02-05T23:04:00.013+01:00

Imágen vía Ambientum.com

A poco que uno sea curioso y se interese por el mundo en que vive -y más concretamente, por el fascinante mundo de la ciencia como la biología, la química, la geología, etc.- acaba percatándose de lo absolutamente increíble y excepcional que es el hecho de estar vivos, al menos en el sentido que entendemos actualmente el término “vida” , muy contaminado por viejas concepciones religiosas que tanto daño hicieron a la ciencia y más aún a sus chamuscados artífices que vieron arder sus cuerpos y saberes en las hogueras de la inquisición. Lo que es seguro - en la medida en que podemos saberlo- es que un pequeño, el más mínimo (casi insignificante) cambio en la dinámica o devenir de nuestro planeta pudo haber tenido ( o podría tener) consecuencias que desbordarían nuestra imaginación. Y una de ellas bien podría ser que tú o yo no estuviéramos aquí, que tu o yo no estaríamos leyendo o escribiendo esto que tengo y tienes la inmensa suerte de leer o escribir , no por le contenido en sí, sino por el hecho de poder hacerlo, por estar vivo.

Rebobina por un momento e imagina el instante en que que vas sentado en la ventanilla del tren de tu existencia ( y la del mundo) y que circulas de espaldas a la dirección de la locomotora. Como si de un paisaje que vislumbras tras la ventanilla, rebobinarías a velocidades de vértigo muchas estaciones y periodos hasta a llegar a un punto mas o menos reconocible de inicio, el momento irrepetible en que se iniciaron una serie concatenada de sucesos microscópicos y bioquímicos que desembocaron en ese ser vivo que eres hoy y que habita en algún lugar de un inmenso y afortunado planeta llamado Tierra. Verías que en los últimos 3800 millones de años – y en esto intento citar o recrear de memoria algo que leí tiempo atrás a Bill Bryson- has aborrecido durante miles de siglos el oxígeno y luego lo has adorado, has desarrollado aletas y extremidades y unas garbosas alas, has puesto huevos, has chasqueado el aire con tu lengua bífida, has sido pegajoso, coriáceo, has tenido escamas y pelo, has vivido en las profundidades marinas, bajo tierra, en los árboles o surcado el aire, has nadado, te has arrastrado, has saltado, corrido o caminado sobre cien, cuatro o sólo dos patas ….y un millón de cosas más. Como dice Bryson, cualquier mínima desviación de estos imperativos, por muy insignificantes que sean, podría tener como consecuencia que tu y yo fuéramos insignificantes bacterias lamiendo algas en alguna oscura caverna o mudando de piel arrastrándonos entre los espinos del desierto o vete a saber que nueva forma de vida hubiéramos llegado a ser si en uno de esos estadios las cosas hubieran sido sólo un poco o ligeramente poco diferentes .

Y esto es sólo una parte de tu inmensa fortuna. Si nos vamos a nuestros ancestros cercanos, tal vez comprenderíamos mejor estos vínculos que nos unen a cierta línea evolutiva que por mil y un sucesos irrepetibles, desemboca en ti. Si retrocedemos a esos 3.800 millones de años atrás, piensa que cada uno de tus antepasados por ambas ramas materna y paterna fueron lo suficientemente atractivos o inteligentes o fuertes para encontrar pareja, para sobrevivir a guerras, epidemias, terremotos, fríos polares y calores extremos y encima, han estado lo suficientemente sanos para reproducirse , cuidar a sus descendientes y prepararlos para hacer frente a la vida. Y no veamos nada milagroso o religioso en esto.Nada de eso. Demos gracias simplemente a eso, a la suerte de estar vivos y asombrarnos por ello. Y eso aún sabiendo que no hay nada exótico ni sobrenatural ni místico en las sustancias químicas que sustentan la vida. Si quisiéramos crear cualquier criatura viva ya sea una perca de río , un cardo, una seta o un ser humano sólo necesitaríamos “cuatros cositas de nada”: carbono, oxígeno, hidrógeno y nitrógeno más -para darle algo de “sabor” a la vida - una pizca de azufre, fósforo, hierro y calcio entre otros . Si estos pocos "ingredientes" se combinan y encadenan de forma adecuada para formar ácidos, azúcares y otros compuestos básicos, tienen muchas posibilidades de acabar formando parte de un ser vivo como una lechuga o como tú.

Otra cosa distinta es que nos creamos los reyes del mambo, los creadores del arte , de la ciencia y de la cultura y de tantas cosas , que seamos las únicas formas de vida inteligentes en el vasto universo. Sea como sean las nuevas y sorprendentes formas de vida que podamos en un futuro descubrir en los fondos abisales de las chimeneas submarinas, en las ácidas y tóxicas aguas del Río Tinto, en los lagos subterráneos (acabo de escucharlo hoy en televisión) de la Antártida o en los confines del universo, han de responder a una cadena de automontaje exquisitamente ordenada que de lugar a una "estructura", como la que tiene la maravillosa simetría de los cristales de nieve o los mismísimos anillos de Saturno.Bien es verdad que estas estructuras ( ese montón de millones de moléculas) no tienen vida, pero bien podrían estar a un paso, el que en un momento dado estas mismas moléculas dieron para que la vida vaya contigo.
Cuídala.

Formas de arte y participación en la gran telaraña

2011-01-26T17:39:00.040+01:00

Nº 23 "Amargura inicia con amar" @xorxez by El Grand Chamaco-@sedibujantuits

Casi todo el mundo usa o conoce las redes sociales en internet. Hoy día hablar de internet es hablar básicamente de lo que se cuece dentro de las redes sociales y sus foros, y por extensión de la llamada web 2. 0 o web social: Facebook, Tuenti, Twitter, Youtube, Spotify, Flickr, etc , etc, etc. Sin embargo, dentro de esa gran telaraña se esconden y circulan curiosas formas de arte y participación. Es más, lo que verdaderamente es arte son las redes en sí mismas. Recientemente releyendo unos pasajes de "Arte en las redes" del recomendable y profético ensayo de José Antonio Millán* "De redes y saberes", encontré encabezando el artículo una cita de Julio Cortázar que paso a transcribir literalmente por lo que tiene de sugerente para introducir el tema de este post

[Un personaje propone un ejercicio sobre la Guía oficial dos caminhos de ferro do Portugal (guía de ferrocariles)]

Fíjese bien: e este mismo momento el tren 125 corre entre las estaciones de Mealhada y Aguim. El tren 324 va a arrancar de la estación Torres Nova, faltan exactamente un minuto, en realidad mucho menos.El 326 está entrando en Sonzelas y en la línea de Ventas Novas , el 2721 acaba de salir de Quinta Grande. ¿Ustedes van viendo, ¿no? [...]

Montones inabarcables de trenes cumplen exactamente sus horarios. Y después poco a poco, imaginad todos los trenes de España, de Italia, todos los trenes que en ese momento, las dieciocho y treinta y dos, están en algún sitio, llegan a algún sitio, se van a algún sitio [...]

El ejercicio sirve para otras cosas ¿Han pensado en los dibujos? Si en este mapa de Portugal marcamos todos los puntos donde hay un tren a las dieciocho treinta, puede ser interesante ver qué dibujo sale de ahí. variar d cuarto en cuarto de hora para apreciar [...] cómo el dibujo se altera, se perfecciona o se malogra. [...] no estoy lejos de pensar que un día veré un dibujo que coincida exactamente con alguna obra famosa, una guitarra de Picasso, por ejemplo. Si esto ocurre tendré una cifra, un módulo. Así empezaré a abrazar la creación desde su verdadera base analógica, romperé el tiempo espacio, que es un invento plagado de defectos.
JULIO CORTÁZAR, Los premios (1960)

Bien, el texto de Cortázar ha introducido el concepto clave: romper no sólo el hecho material de la obra de arte como soporte físico sino también las barreras del espacio-tiempo en el discurso del arte. No quisiera que el término "arte en la red" se confunda con aquello tan en boga en los 80 de "arte por ordenador " o en los 90, "Digital-Art". Hay un término que quizá se aproxime a la filosofía, al "concepto" de arte en red y es "Net-art", aunque como suele ocurrir con las etiquetas, se desgastan y devalúan de tanto usarlas. Define la Wikipedia Net-art como

"aquella producción artística realizada ex profeso en y para la red internet. El net-art es una de las formas de arte interactivo habilitadas por los soportes digitales, y las prácticas comunicativas generadas por ellos"

Lo que sí está claro en esta definición es que el medio, -como el mail art o Arte-correo lo fue en su momento- es clave y tiene una importancia significativa en el discurso creativo".

La cuestión es que estamos viendo como en estos últimos años en las entrañas de las redes está emergiendo realmente una nueva forma de interactuar las personas y colectivos de todo el mundo y éstos a su vez con las propias redes. Y con ellos, nuevas formas de arte, inimaginables hace sólo unos pocos de años. Es evidente que el arte desde los inicios de la internet circula en la red generado a través de herramientas de software y "expuesto" en portales de museos, páginas de artistas, instituciones, redes y colectivos varios. En todo caso, son las mismas obras que vemos en espacios convencionales sólo que metidas en otro frasco, el digital. Hay excepciones, como la curiosa página de Zush, ahora llamado Evru o la web del famoso, combativo y esquivo artista del grafitti urbano, Banksy.

El desarrollo de las tecnologías de la información ha provocado también la respuesta de muchos artistas. Esto no es nuevo, los artistas siempre han tenido una relación muy estrecha con los avances científicos y tecnológicos de la época que les tocó vivir. A partir del siglo XV -como apunté en este post anterior- muchos pintores flamencos, españoles e italianos usaban (de forma más o menos encubierta) para pintar artilugios ópticos (sofisticados juegos de lentes y espejos); los pintores Impresionistas (Monet, Sisley, etc) y "Divisionistas" (Seurat) aplicaron en sus lienzos los mas recientes descubrimientos que en el campo de la Física (Teorias de Complemenntarios y mezcla óptica de Chevreul) se tenían acerca de la naturaleza de la luz y los colores, etc, etc. Hoy día, con los medios tecnológicos el abanico de posibilidades que se abre para el mundo del arte es, sencillamente, impresionante.

Como sucede en otras facetas artísticas, los cambios de contenidos, lenguajes y soportes parten también muchas veces de posiciones críticas hacia la propia tecnología: ciertos artistas usan las herramientas tecnológicas para descubrirnos aspectos de las mismas que de otra forma nos pasarían desapercibidos. Por ejemplo, sobre el asunto de las omnipresentes cámaras de videovigilancia en los espacios públicos el colectivo sevillano @ZEMOS98 presentó en uno de sus pasados festivales el sitio web, a modo de observatorio ciudadano: "Panel de Control".

Lo interesante aquí , como bien apunta Millán, no es "inundar de arte" la web, ya de por sí inundada de todo tipo de contenidos, sino ver cómo éstas contribuyen de una forma o de otra a propiciar nuevas formas de interactuar y fomentar no sólo el fenómeno artístico sino tambíen la crítica social. Un caso paradigmático es Twitter de la que soy usuario habitual como @manuelpielroja. ¿Puede esta red social -concebida para comunicarse por escrito , en tiempo real y con la consabida limitación de no sobrepasar sus mensajes los 140 caracteres- ser el caldo de cultivo de nuevas criaturas artísticas? La respuesta es un sí rotundo y muestra de ello es un ensayo que escribí para El Bazar de los Locos, proyecto de libro colaborativo sobre Twitter flotado por dos mentes lúcidas como @eraser y @francescllorens. Dicho ensayo que titulé significativamente "De Twitter como una de las bellas artes" evidencia una de las características llamadas a revolucionar el tradicional y narcisista mundo del arte: la conectividad e interactividad social del medio que se beneficia de la posibilidad de construir proyectos y acciones acumulativas a través de las personas que intervienen o se implican en ellos. Por otro lado, también cuestiona el concepto tradicional de autoría artística. Veamos también algunos ejemplos en distintos campos

El Centro Virtual Cervantes, por ejemplo, en su modalidad de Artes presenta "Palabras corrientes: 10 proyectos de Net-Art. Siguiendo en el campo de la lengua y la semántica tenemos el interesante proyecto "Esferas" donde jugar y crear "redes de combinaciones semánticas. La riqueza de las palabras se encuentra en la forma en cómo se relacionan unas con otras. Bastan dos palabras juntas para desencadenar narrativa, reflexiones, teorías, arbitraridad, poesía, humor.."

Sin salirnos del panorama nacional, es interesante igualmente el proyecto MediaLab Prado: He seleccionado TRANS.FORM.WORK - tres estudios de caso de arte basado en internet en el espacio real.

Otra interesante opción es que posibilita que el entorno interactúe con los participantes, como muchos proyectos e instalaciones multimedia donde por medio de sensores colocados en lugares determinados se producen reacciones o cadenas de acontecimientos que quedan registrados mediante cámarás web u otros sistemas de registro. Recuerdo, a modo de ilustración, cierta instalación en una de las pasadas ediciones de la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla donde una serie de macetas de potos colgaban del techo, dejando caer en cascadas sus ramas: si al pasar tocabas las hojas éstas reaccionaban "quejándose" y emitiendo gruñidos, interactuando con los visitantes.

En gran telaraña se gestan contínuamente proyectos artísticos y literarios de índole colaborativa, al estilo de aquellos viejos juegos surrealistas que se vinieron en llamar "Cadáveres exquisitos", donde una obra se va construyendo discutiendo con la aportación de los internáutas por mediación de las redes sociales. Ejemplos hay muchos, destacaría proyectos audivisuales vía twitter como El Cosmonauta, una película de ciencia ficción que se está gestando a partir de una¡ modelo emergente de financiación colectiva o crowdfunding con licencia Creative Commons.Una vez terminada, pretende ser distribuida a través de internet, DVD, TV y cine al mismo tiempo. Mas info de este proyecto en wikipedia.

A nivel más plástico y modesto algunas de las curiosas ideas de Zefrank.com como el proyecto What we Want donde se solicita a los internautas que aporten imágenes para una gran collage de caras ; o el trabajo que algunas artistas gráficos como @Sedibujantuits alias El Grand Chamaco (ilustración que encabeza este post) realizan a partir de los tweets que seleccionan de otros usuarios.

Y para terminar y ahora que tanto está dando que hablar el asunto de los cables de Wikileaks, tal vez venga al caso recordar un típico producto de net-art, The File Room (1994), del artista catalán ANTONI MUNTADAS, un pionero de este género y del videoarte en nuestro país. Este sitio de la web se dedicaba a reunir datos sobre actos de censura, entendiendo por censura "el proceso por el que las personas en el poder suprimen información, tratando de ocultar imágenes, sonidos o textos confidenciales". Las personas que accedían al sitio web y así lo deseaban podían ir adjuntado sus materiales hasta conformar una gran "escultura social", el Archivo, una obra multidimensional , abierta y de autoría compartida . En su presentación lanzan la siguiente advertencia:
"Este proyecto no pretende el papel de una biblioteca, una enciclopedia o siquiera un editor. No reclama ninguna autoridad erudita, editorial o científica, pero en vez de ello, propone métodos alternativos de recopilación de información, procesamiento y distribución".

En esta misma línea alternativa y participativa , aunque con una vertiente mas social que artística, colectivos como Platoniq plantean proyectos como el Banco Común de Conocimientos que tuve la suerte de experimentar hace algunos años en un taller junto a los mencionados @ZEMOS98 y del que se produjo el documental "la Escuela Expandida" como resumen de dicha experiencia.

Resumiendo: las nuevas tecnologías y la expansión de la red han cambiado como nunca la capacidad de comunicación y expresión artística. Ya no es necesaria la habilidad manual, basta copiar, cortar, pegar con un simple click ¿?. En este ámbito de creación, en y por medio de las tics, es además habitual la obra colectiva. Aunque sigamos preguntándonos: ¿y de toda esta visualidad, de este conjunto de archivos e imágenes, qué es arte?, la romántica idea del genio creador, único e irrepetible, dotado por los dioses… va dejando paso a un arte (expresión, narración…) que es, o al menos puede ser, narrativo, expresión, con intención estética pero del que cada vez somos más los que podemos disfrutar (de hecho lo hacemos).

El Net.Art está en sus inicios y sólo estamos contemplando las primeras tentativas . Sin duda su potencial está por expandir y nos esperan aún muchas sorpresas, según la tecnología y la creatividad se influyan mutuamente. La falta de cultura digital, produce como resultado que las capacidades de unión entre el arte - nuevas tecnologías, estén poco explotadas por artistas, empresas, individuos y por extensión el gran público.

*José Antonio Millán : "De redes y saberes" AULA XXI Santillana (1998)

Crónica de instantes (V): Cuando las imágenes tenían magia

2011-01-19T19:27:00.017+01:00

Ocurre con casi todos los inventos. Nunca está claro quien ha sido el inventor. Algunos - los más espabilados o los que tenían más medios a su alcance- se apresuraron a patentarlos y la historia y los libros de texto terminan adjudicándoselos para la posteridad, dejando injustamente en el camino y en el olvido a los demás. Lo cierto es que la mayoría de los grandes inventos de la humanidad son fruto bien de la casualidad, bien de la colaboración -voluntaria o no- entre varias personas en distintos lugares y épocas. Esto en ciencia es ya un lugar común que daría para más de una novela policíaca. Y ocurre igualmente en el mundo del arte. Pero la crónica de hoy trata de algunos de esos "mágicos" instantes donde la ciencia y el arte se confunden y se enredan en los entresijos de la cultura para enseñarnos no sólo a ver sino a mirar como nunca antes lo habíamos hecho. Estoy hablando de uno de esos artilugios ópticos llamado la "cámara oscura" que bien pudo revolucionar la historia del arte y de la mirada contemporánea , a pesar de no hablarse de ella sino con recelo (reconocer que podía usarla un pintor implicaba que hacía "trampas", que calcaba la imagen proyectada) o o a ciertas descripciones técnicas en los tratados de óptica . Su mecanismo es simple: un orificio por el que entra la luz exterior, una lente que capta y amplia la imagen , un espejo que la refleja en una determinada dirección y ángulo (45º), un tubo o caja estanca que la transporta y una pantalla cóncava o plana sobre la que se proyecta situada en una habitación a oscuras (de ahí lo de cámara oscura). Los artilugios portátiles como el de la ilustración son una versión reducida del mismo principio. Con el tiempo dichos artilugios fueron perfeccionándose y a mediados del siglo XIX dan lugar, merced a los avances en el campo de la óptica y de la química , al emocionante surgimiento de las máquinas de mirar y reproducir en imágenes la realidad por las cuales nacerían la fotografía y el cine. Fueron años donde la ciencia y el arte se aliaron en la vertiginosa (y rentable) carrera de fabricación de imágenes. Fueron los años de Muybridge o de Jules -Etienne Marey, a quién dediqué tiempo atrás este post.

Recientemente, como atractivo turístico en Sevilla han instalado una cámara oscura gran escala en la Torre de los Perdigones y también hay otras en algunas ciudades como Cádiz (Torre de Tavira). Sin embargo, pienso que el fenómeno debió conocerse desde la más remota antigüedad. Ahora, en este preciso instante en que escribo, me viene a la memoria una "imagen" de cuando era pequeño y veraneaba en casa de una tía mía. Cuando llegaba la hora sagrada y "obligada" de la siesta los niños nos retirábamos a las oscuras y frescas habitaciones de techos altos a dar "una cabezadita" hasta que pasaran las horas de la asfixiante "flama" estival. Sólo se escuchaba el zumbido de las moscas alrededor de los restos de la sobremesa . Por entre las rendijas de las contraventanas se filtraban delgados rayos de luz. Mis primos y yo jugábamos a identificar esas extrañas y fantasmales figuras (personas, coches,...) cabeza abajo que se deslizaban por el techo de la oscura habitación. Era nuestro cine de sobremesa. En el fondo aquella habitación se convertía en una gran cámara oscura.

De la misma forma , imagino que este fenómeno no pasaría desapercibido a los muy espabilados sabios o sacerdotes egipcios, chamanes mayas o a los mismísimos eruditos griegos. E incluso, apurando mucho, a nuestros antepasados de las cavernas. ¿Se imaginan a nuestro sufrido homo sapiens explorando temeroso una cueva y que en ese momento por una fisura se colara un potente rayo de luz proyectando las imágenes del exterior en las paredes de la gruta? Yo los imagino tocando con miedo (les presupongo algo de curiosidad) y asombro esas fugitivas imágenes cambiantes. No es descabellado pensar que en algún momento y lugar podría haber ocurrido. De hecho si habéis tenido la suerte de visitar esa maravilla que son las Cuevas de Altamira podéis imaginaros a estos antepasados casi en cuclillas (la altura de la cueva original no permitía estar de pie) en la angosta galería de polícromos contemplando sobre sus cabezas y en todas direcciones esos impresionantes volúmenes de bisontes y otros animales pintados con sorprendente maestría , que sobresalen amenazantes del techo de la cueva proyectando cambiantes sombras bajo la fluctuante luz de las antorchas de grasa o tuétano animal. Debía ser un espectáculo que dejaría sin habla a quienes lo contemplaban y más si presumiblemente iba acompañado de rituales , cánticos o narraciones, porque está claro que esas figuras no se pintaron sólo por amor al arte. Cuando vemos esas reproducciones limpias de sombras y planas como una tabla de planchar en los libros de texto de Historia del Arte no podemos ni imaginarnos todas las sensaciones que se viven cuando las ves en directo, porque te mueves y al moverte físicamente por la cueva las sombras van cambiando: hasta da la impresión "mágica" que los bisontes corren , embisten, bufan...se mueven.La imagen de la fotografía puede dar una idea sólo aproximada de lo que quiero decir. Es como una película en tres dimensiones, un programa audiovisual de la prehistoria.

La linterna mágica, es otra de esas máquinas de ver y que consiste en una especie de rudimentario proyector de diapositivas ( en realidad, placas de cristal pintadas a mano de figuras grotescas) donde la fuente de luz es la llama de una vela que al agitarse con el aire ondula y deforma las figuras proyectadas dándoles una apariencia fantasmal , como este grabado que reproduce una supuesta escena donde nada más y nada menos que el sabio Diógenes enseña el artilugio a un asombrado Alejandro Magno

Pero avancemos en la máquina del tiempo y volvamos a la historia (oficial) de la cámara oscura. Todo empezó- dicen las crónicas- en el siglo x, cuando el oftalmólogo musulmán Alhacén decidió escribir su "Tratado de Óptica" en el que aseguraba que son los objetos los que emiten los rayos lumínicos que el ojo recibe y no al revés como aseguraban las teorías de los griegos Arístóteles o Euclides. En la Edad Media Roger Bacon continuó los estudios de Alhacén y ya en el Renacimiento, el gran y polifacético Leonardo da Vinci impulsó el desarrollo de una cámara oscura añadiendo una lente al orificio por el que entraba la luz, acercándola a lo que siglos más tarde sería la cámara fotográfica. Pero el gran divulgador del invento fue el científico italiano Giovanni Della Porta en el siglo XVI que la dio a conocer a un gran número de artistas y que presumiblemente pudieron utilizarla para sus grandes obras, algunos de forma evidente y documentada como Canaletto o Veermer ( ver secuencia de la cámara oscura de Veermer en la película "La joven de la perla") pero como ha demostrado el artista David Hockney en su fantástico trabajo de investigación "El conocimiento secreto" (recomiendo esta interesante reseña ) , el uso de estos "artilugios ópticos" estaba a la orden del día en el mundillo artístico y mucho antes de lo que vulgarmente se pensaba. Concretamente, entre los años 1420 y 1430, en algún lugar del norte de Europa, se empezó a desarrollar su técnica, permaneciendo como un conocimiento más o menos secreto hasta que se filtró en algunos talleres italianos.

Su controvertida y revolucionaria tésis amplia y gráficamente documentada en su obra- apoya que un cierto número de pintores ( muchos más de los que pensamos, incluidos Caravaggio, Velázquez, Van Eyck o Ingres por citar los más famosos) pudieron usar directa o indirectamente algunos de estos artilugios con espejos y lentes - bien la cámara oscura, bien la cámara lúcida (en la imagen de la izquierda)- para ejecutar muchas de sus obras. Los artistas en esta época eran los creadores oficiales de las imágenes existentes y supuestamente , se les acumulaba el trabajo. Disponían de medios, de grandes talleres y un meticuloso programa de trabajo que incluía a ayudantes y aprendices que ejecutaban las partes menos nobles de los cuadros (preparación de fondos, paisajes, etc). No es de extrañar que si tenían a su disposición un artilugio óptico que les ahorrara horas y horas de trabajo en los detalles difíciles como ropajes, rostros, etc., no llegaran a utilizarlo. Y es lógico que lo guardaran en secreto por aquello de la competencia. En el fondo hoy día los artistas (y muchos científicos) también funcionan así, por lo que cabe suponer que efectivamente su uso fue más generalizado de lo que se piensa o documenta la Hª oficial del Arte, aunque de una forma o de otra y por diversos motivos, "encubierto.

Lo cierto es que tras estas nuevas aportaciones veo la pintura con otros ojos. Me intereso más (aparté del que cuenta y por qué lo cuenta) por la iluminación, por cómo los artistas del claroscuro como Caravaggio se preocuparon de trabajar siempre con modelos del natural y con una cuidada y potente iluminación que creaba sombras intensas y profundas , necesarias para trabajar con artilugios de óptica como bien saben hoy día los fotógrafos profesionales. De hecho, si muchos de estos cuadros los vemos en blanco y negro, nos asombraríamos del parecido que tienen con auténticas fotografías. Intenten imaginar o vean en blanco y negro este famoso cuadro de Hans Holbein llamado "Los Embajadores" y que está en la National Gallery de Londres. Imposible sin el auxilio de la óptica.

Desde mi punto de vista, este hecho no quita ni resta valor a la obra ni al artista. A fin de cuentas, la imagen no se crea sola, es la mano del artista quien traza las líneas o pone los colores, que no siempre es fácil y requiere (por las veces que yo mismo lo he intentado) una considerable habilidad técnica. Los métodos de los artistas- eso también lo sé por experiencia- sean materiales, técnicas, herramientas, etc, tienen una influencia profunda y directa en la obra que realizan. Y por eso me maravillo, volviendo al principio de los tiempos y a cuando las imágenes eran magia, con esos bisontes y ciervas cuasi animados de Altamira.No puede dejar de asombrarme el cómo estos remotos antepasados sacaron de las formas y relives de las piedras las primeras imágenes evidentes de la inteligencia humana con algo más que sus manos, carbón y óxido de hierro. Porque siempre olvidamos que el sólo hecho de trazar una línea para representar una idea es una de las mas revolucionarias formas de pensamiento.

Museo Imaginario (XIII): Eduardo Recife & Misprinted Type

2011-01-11T22:30:00.018+01:00

Como hacía algún tiempo que no publicaba nada en mi Museo Imaginario insular, retomo el proyecto que un día -en los inicios de esta ínsula en la blogosfera- me propuse crear como espacio virtual a modo de imaginario museo para llenarlo de pequeños instantes de arte, músicas y creaciones especiales, conocidas o no tanto, aquellas que me dicen, regalan o transmiten sensaciones o momentos de especial belleza o placer. Ésta es una de ellas.

Eduardo Recife es un curioso artista multidisciplinar, ilustrador, tipógrafo y diseñador gráfico nacido en Belo Horizonte (Brasil). Es conocido principalmente por sus series tipográficas de estética "grunge" inspiradas en el graffiti callejero, pero también hace originales collages donde mezcla sus dibujos, recortes y fuentes tipográficas de su creación. Tras conocer a un grupo de artistas del graffiti que utilizaban sus propias fuentes , se anima a crear su propia versión tipográfica digital : Misprinted Type. De su trabajo me gusta especialmente esa fusión peculiar de la estética las calles con imágenes retro junto a sus curiosas tipografías. Dejo como botón de muestra algunos de los trabajos que he visto en su web.

HAND MADE TYPEFACE/2006

WHERE DID HOPE GO? / 2005

DESTINY / 2007

QUEEN OF HEARTS / 2006

COLLAGE / 2010

6 +1 Haikus para Eduardo Chillida

2011-01-08T11:00:00.001+01:00

Estos tiempos de recesiones y recortes se han cobrado una nueva víctima. El espacio museo al aire libre en los alrededorres de Hernani Chillida-Leku anuncia su cierre en su web con un comunicado:

"El Museo Chillida-Leku ha solicitado la tramitación de un expediente de regulación de empleo (ERE) temporal y ha acordado el cierre del museo, desde el próximo día 1 de enero de 2011. Esta decisión ha sido motivada por la situación de déficit recurrente que, al igual que la práctica totalidad de museos de obra artística, padece el museo y que se ha visto agravada por la crisis económica general, disparando las cifras deficitarias a niveles insostenibles desde la perspectiva de una iniciativa privada."

Sin duda, una noticia triste para la cultura y el mundo del arte. No voy a entrar en valoraciones sobre prioridades, políticas culturales o sobre la mayor o menor estima y apreciación que se le tenga a este escultor vasco y universal que es Eduardo Chillida. La cuestión es que a través de Twitter un grupo de amigos vinculados a la cuenta de @nanoediciones me proponen hacer una publicación conjunta de haikus dedicados a Chillida. Como ya una vez me atreviera a inspirarme en la pintura con mis "Haikus para una exposición" y viendo que la obra de Chillida es lo suficientemente sugerente y poética , me animo humildemente a intentarlo.

Las esculturas
anidan su música
en el silencio

En sus manos
el sueño del escultor
siente el vacío

Ahí están:
sudando lágrimas
tras la lluvia

Peine del viento
desenreda el aire
del Cantábrico

Esa luz negra
acaricia el óxido
y ronronea

Sueños de metal
solidificándose
sobre el aire

Y un haiku de Amparo A. Juarranz
(http://surcosdepapel.es )

Bajo su yelmo
gravita profundo
un leve vacío

[ #Haiku de Enero, a #Chillida y su 'Elogio del horizonte' ]

Crónicas de instantes (IV) : La música de Pitágoras

2011-01-03T16:34:00.025+01:00

Todos supimos de Pitágoras en la escuela . Bueno, supimos poco más que su mundialmente famoso teorema, que por cierto, ahora sabemos que ya había indicios de conocerse -si no dicho teorema propiamente dicho, sí algunos de sus problemas y aplicaciones derivados- por el hallazgo de ciertas tablillas de arcilla mesopotámicas mucho más antíguas. Mismamente, en el Antiguo Egipto, la pirámide de Kefrén, datada en el siglo XXVI a. C., fue la primera gran pirámide que se construyó basándose en el llamado triángulo sagrado egipcio, de proporciones 3-4-5 .Si cogemos una cuerda y la dividimos en partes iguales mediante 12 nudos podemos obtener un triángulo rectángulo con estas proporciones, que fue la herramienta que los agrimensores egipcios utilizaban para medir y cuadrangular las parcelas de cultivos. Lo cierto es que poco o nada se sabe del personaje. Es más, no se sabe si realmente Pitágoras existió. Incluso se especula que Pitágoras fue una "escuela del pensamiento" , y no una persona: una escuela que aglutinaba a astrónomos, músicos, matemáticos y filósofos, que creían que todas las cosas son, en esencia, números. Por cierto, etimológicamente, Pitágoras significa "los que hablan con el vientre". Se dice, además, que tenía un muslo de oro y que incluso resusitó docientos años después de morir. Cuando la memoria, la mitología y la fantasía se enredan, con la historia pasan estas cosas tan sorprendentes y fuera d etoda lógica ¿un muslo de oro, para qué ? ...

Nunca sabremos a ciencia cierta quién fué o quienes fueron aquellos ( o aquellas ) a quienes la posteridad legó un sitio bajo el nombre de Pitágoras. Habla el cronista Diógenes Laercio de al menos cinco "candidatos" a Pitágoras: uno nacido en Crotona, otro en Fliunte y que fué entrenador de atletas; el tercero en Zacinto; el cuarto, el supuestamente verdadero que aqui nos ocupa y el quinto, un escultor de Regium a quien tambien se le atribuye el descubrimiento de las consonancias musicales. Si atendemos a lás crónicas de Laercio, tal fue el éxito de su presentación pública que los padres enviaban gustosos a sus hijos para que los educara el samio, esperanzados en que el trato con él los convirtiese en notables legisladores. Mas, al contrario de otros educadores, la admisión al círculo del sabio del muslo de oro no era tan sencilla, y, lo que es más, la permanencia en el grupo dependía de una rigurosa pedagogía: los estudiantes debían pasar "en silencio" cinco años de atenta escucha a las enseñanzas del sabio -sin cuestionar, sólo entregados a aprender-, debían ejercer una meditación autocrítica cada noche, debían llevar un modo de vida estrictamente reglamentado -cuya regulación iba desde la alimentación hasta los modos de vestir .Hoy a esto le llamaríamos pura y llanamente una secta, con sus "codigos" y contraseñas. Por cierto, la contraseña pitagórica era este famoso "tatuaje" que se cuidaban muy mucho de no tener a la vista

Entre todas las lagunas de su biografía hay ciertos datos que -ciertos o no- ponen en escena su presunta sabiduría: un viaje a Egipto en el que conoció los secretos de esta civilización; la revelación de un teorema; el descubrimiento de las medidas y los pesos; hallazgos astronómicos y el asunto de esta crónica, la invención de la escala musical y el monocordio . Todo este compendio ( y mucho más) en un sólo personaje: Pitágoras.

Sea como sea, cabe preguntarse, en medio de tantas dudas si fue el escultor el que en realidad descubrió las proporciones musicales o si Pitágoras también fue escultor. Esta multiplicidad de personajes-mas allá de indicarnos que "Pitágoras" era un nombre común en Grecia - revelan ese aspecto mítico de su existencia común a otros mitos mas o menos de carne y hueso.

Dice Aristóteles que los pitagóricos se dedicaron a las matemáticas y al Geometría , que fueron los primeros que hicieron progresar este estudio y, habiéndose formado en él pensaron que sus principios eran los de todas las cosas. Tenían el entusiasmo propio de los primeros estudiosos de una ciencia en pleno progreso, y les cultivó la importancia del número en el cosmos: todas las cosas son numerables, y muchas las podemos expresar numéricamente. Muchos de sus descubrimienbtos tenían la consideración de alto secreto y bien puede ser que ciertas muertes violentas no del todo esclarecidas en el seno de las sectas pitagóricas se deban a quienes "se iban de la lengua" con algunos de sus secretos. Se cuenta que el grupo mantuvo en el mas estricto secreto el descubrimiento de los números irracionales, y la leyenda cuenta que un miembro fue ahogado por no saber tener la boca cerrada .

Pero volvamos al misterioso y esquivo Pitágoras y situémonos en la crónica de ese instante en que le son revelados los misterios de la música para dar paso al monocordio. ¿Y me preguntaréis que qué leches es un monocordio? Pues es el instrumento por excelencia de la la llamada Música Mundana emparentada a su vez con la música del cosmos, la música de los planetas , la supuesta música de las esferas que tanto entusiasmó a los antiguos y a algún que otro moderno como Mike Oldfield. Algo de ello comenté en uno de mis antiguos posts "Consideraciones acerca de una caja de canicas" . Pues bien , el monocordio es una caja resonante rectangular provista de una cuerda que podía regularse su longitud merced a un caballete móvil para reproducir los 22 sonidos que constituían la antigua escala musical.

Pensemos en un Pitágoras meditativo que deambula arrastrando su muslo de oro por las afueras de su ciudad y que de repente, qué casualidad, escucha el repiqueteo de un grupo de herreros en la fragua: Alentado por la armonía del sonido, descubre a cuatro herreros trabajando el metal hirviente con sus mazos. Pitágoras, curioso como él sólo, examina los mazos ( habrá que ver la cara que pondrían los herreros) y descubre que tienen un peso en proporción al sonido que emitían. Se marcha a su casa bulléndole la cabeza con el "descubrimiento" y realiza un nuevo experimento: coge cuatro hilos de longitudes idénticas a los que ató cuatro pesos diferentes y obtuvo otra vez una relación matemática entre dichos pesos y los sonido emitidos para luego establecer las relaciones entre la longitud , la tensión de la cuerda y las notas musicales. Se trataba sin duda de un hallazgo de gran trascendencia ya que permitía alimentar la creencia de que fenómenos tan inaprensibles como la música podían ser explicados mediante números. Y si la música terrestre podía explicarse mediante números , también la música de los cuerpos terrestres (incluidos los minerales y los poliedros), la musical celestial de los planetas y en definitiva, la música del universo. Una vez Jean Cocteau dijo que su sueño en música era escuchar la música de las guitarrras cubistas de Picasso. Yo me conformaría con soñar la música planetaria que Pitágoras tenía en su cabeza. Por soñar que no quede, aunque sólo sea un instante...

Haiku para un año que termina

2010-12-31T22:00:00.005+01:00

Vértigo mirar
el recuerdo, la ausencia.
Quedan las huellas.

( A Obi, a Lolo, a mis amigos ausentes desde este año )

“Las huellas de las personas que caminaron juntas nunca se borran”

(Proverbio congolés)
Fotografía: "Los Manueles" (1985-86?), cortesía de PepeLuzla

El fósforo , la orina, gatos y otros elementos

2010-12-26T20:14:00.016+01:00

Nos hicieron odiar la química, las matemáticas y la física en el colegio. Y nos hicieron odiar aún más las matemáticas , la física y la química en la educación secundaria. De la universitaria tengo poco juicio ya que sólo tuve un fugaz y frustrante contacto como estudiante de Biología. Nos ahogaron en formulaciones, problemas , exámenes y en el recitado memorístico de leyes ininteligibles y extrañas. Sin embargo, recuerdo con emoción aquellos escasos y sencillos experimentos que, en ocasiones, nos hacían realizar en pequeños grupos como hacer tablas de mediciones con un termómetro o provocar una reacción química espectacular combinando tal o cual compuestos. Lo que nunca pude imaginar es que tras todas esas grandes mentes dotadas de distinciones y premios Nóbel que legaron a la posteridad sus grandes descubrimientos y logros científicos, hay personas de carne y hueso, con sus glorias y debilidades, sus lucimientos, vicios y oscuridades. Estas historias son apasionantes y si nos la hubieran contado tal vez hubiéramos visto las matemáticas, la física o la química con otros ojos más humanos y más emocionantes.

De las oscuras hechicerías, ungüentos, esoterismos y pócimas misteriosas hasta la moderna ciencia de hoy, ha habido un largo y sinuoso camino, sembrado de piedras filosofales, mártires y héroes, embaucadores sin escrúpulos y científicos visionários, laureados y olvidados. Un largo camino que ha visto incluso convivir en una misma persona la ciencias y el esoterismo .Sería difícil hacer una lista de cuantas mentes cabales acabaron sucumbiendo a la quimera de transformar el plomo en oro o conseguir la fórmula de la piedra filosofal. Tal vez el que sigue sea sólo un ejemplo entre otros muchos posibles de esta extraña convivencia de saberes y creencias enfrentadas que desembocaron tal vez accidentalmente , en descubrimientos inverosímiles.

Hace poco leí en un libro de divulgación científica* una curiosa anécdota acerca de un personaje llamado Hennin Brand, alemán a medio camino entre la alquimia y la ciencia. Corría el año 1695 y el señor Brand estaba convencido de que se podía destilar oro de la orina humana. Así como lo oyen, oro. Es de suponer que por su analogía cromática o por alguna remota premonición o llamamiento alquímico. El caso es que para tal fin reunió unos 50 cubos repletos de orina humana y los guardó durante meses en el sótano de su laboratorio. Mediante diversos procedimientos "misteriosos" consiguió convertir dicha orina en una pasta tóxica y algo traslúcida, algo así como la cera. Por supuesto, nada que se le parezca ni por aproximación al deseado oro. Pero , y aquí está la magia de los descubrimientos, sucedió algo sorprendente: al cabo de un tiempo esa pasta tóxica empezó a brillar y no sólo eso, sino que cuando se la sacaba a la luz y al contacto con el aire, ardía expontáneamente. El caso es que inmediatamente se dieron cuenta de las posibilidades comerciales del nuevo compuesto que pasó a llamarse, ya lo adivinaron, "fósforo", que proviene del griego y significa "portador de luz". Incluso fue tan codiciado que -paradojas del destino- su valor económico era superior al oro: una onza (28-31 gramos aprox.) de fósforo se vendía por 6 guineas (unos 440 Euros de hoy). Mucho más de lo que valía entonces el dorado metal.Y este potencial negocio atrajo a muchos inversores codiciosos que querían sacar rápidamente tajada del descubrimiento. Pero había un problema y éste era evidentemente, la materia prima. Al principio , recurrían a colectas e incluso al ejército, pero aún así , los costos se hacían muy elevados para hacer viable el negocio de la explotación del fósforo a medio y largo plazo. Y encima, el olor a orina que tenía el compuesto...

Así que la cosa del fósforo y la orina se quedó ahí en suspense hasta que unos 50 años más tarde más tarde, sobre 1750 un sueco llamado Karl Scheele ideó la forma de obtener cantidades industriales de fósforo sin la porquería y el olor de la orina en su fabricación. Según parece, por esta maestría en la fabricación del fósforo los suecos se hicieron afamados fabricantes de cerillas, antes de la llegada de IKEA, por supuesto, la otra gran "contribución" sueca a la sociedad del bienestar. Y mención especial merece también este personaje, Scheele. La historia (de la ciencia) ha sido algo injusta con él. Dicen que fue a la vez un tipo extraordinario y desafortunado. Extraordinario porque con sus investigaciones y casi sin instrumental avanzado, logró descubrir ocho elementos que os resultarán conocidos: cloro, flúor, manganeso, bario, tungsteno, molibdeno, nitrógeno y oxígeno. Y aunque parezca mentira, no fue honrado por ninguno de ellos. Y de ahí su desgracia: sus descubrimientos fueron o bien pasados por alto o publicados a destiempo, cuando ya se habían descubierto por otra parte. Descubrió también otros compuestos de uso frecuente hoy día como el amoniaco o la glicerina y fue el primero en darse cuenta del poder blanqueador del cloro (los populares folios de papel hasta hace poco se fabricaban con pasta celulósica blanqueada con cloro). Descubrimientos que hicieron a otras personas inmensamente ricas. Cosas del destino. Pero sus desgracias no acabaron ahí. Tenía una enfermiza predilección (nunca mejor dicho) a probar los efectos de todos sus compuestos, incluidos el mercurio o el ácido cianhídrico, un compuesto éste último con tal fama de venenoso y letal que fue utilizado un siglo más tarde por otro científico de renombre, E. Schorödinger para un controvertido y complejo experimento mental : el gato de Schorödinger que se aplicaría luego al concepto del espacio/tiempo con la postulación en 1957 por Everett de la teoría de los Universos Paralelos, que explica que a todos los eventos que se producen en nuestro Universo, corresponden eventos iguales pero distintos en comportamiento en otros universos paralelos . O sea, que si yo hoy decido escribir este post en otro lugar del universo estaré escribiendo otro totalmente distinto...por ejemplo.

Bueno, volviendo a este post, a la Tierra y a Scheele , la cuestión es que por este afán de probarlo todo acabó pasando factura y murió en 1786 con sólo 43 años , con la cabeza apoyada sobre su mesa de trabajo y rodeado de sustancias tan peligrosas que cualquiera de ellas podría haberle causado la muerte por inhalación. Tal vez si Scheele hubiera sido anglosajón sus descubrimientos del cloro o del oxígeno le hubieran bastado para alcanzar una justa y merecida fama, pero era sueco y sus publicaciones siempre llegaron tarde, cuando ya sus descubrimientos habían sido atribuidos a otros científicos y publicados en otras prestigiosas publicaciones. Lo dicho, una persona desgraciada.

Así que cuando aún lleguen a tiempo de poder encender el fósforo de una de las últimas cerillas que se fabriquen o cuando, en esos minutos de tiempo muerto que se hacen a menudo para atender nuestra necesidades fisiológicas, dejen volar la imaginación en el urinario o baño de turno y recuerden a gentes como Brand o Scheele y piensen que la historias de la ciencia son, mas allá de las fórmulas y las leyes que nos enseñaron en la escuela, tan apasionantes e inesperadas como la vida misma.

* BRYSON, BILL: "Una breve historia de casi todo" (2004) RBA Libros S.A

(La imagen del post es una fotografía del artista Chema Madoz)

I Lived on the Moon

2010-12-22T20:40:00.008+01:00

Queridos y queridas navegantes insulares. Si las mareas o los vientos os traen por esta ínsula, quisiera obsequiaros con esta maravillosa animación de Yannick Puig que nos invita a soñar , a echar a volar la imaginación de ese niño que siempre deberíamos llevar dentro. Felices fiestas.

Video Clip: "i lived on the Moon" from "Tales & Dreams" album de Kwoon. A Yannick Puig Animation.
Band Website : www.kwoon-music.com
(Download for free : Kwoon - I lived on the Moon - acoustic version aquí )

Morente, el último quejío de vanguardia

2010-12-15T22:37:00.009+01:00

Si el otro día me las prometía felices escribiendo un post sobre la deuda que la UNESCO tenía para con el flamenco, declarándolo Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, hoy escribo un quejío triste porque nos ha dejado un grande del flamenco, un genio de la talla de Enrique Morente, artista único y experimentador infatigable que ha sido capaz de conducir el flamenco y el arte por sendas que tardarán años y años en ser recorridos y explorados, un artista que ha sido capaz con oficio y con verdadero genio de luchar a contracorriente en un país que desde la ortodoxia flamenca más "taxidermista" y rancia (@mappo dixit) lo ha criticado sin piedad. Pero afortunadamente , admirado por propios y extraños dentro y fuera de nuestras fronteras. No es de extrañar pues que haya acercado su música a tantos artistas y tantos artistas han sentido deseos de tocar con él. La lista es larga, desde el mismísimo Leonard Cohen, hasta el guitarrista Pat Metheny, pasando por Sonic Youth, Amaral, el grupo indie Los Planetas, Carlos Jean, Sr. Chinarro o el músico de rai, Cheb Kalhed, entre otros artistas.

Definitivamente si el flamenco tuviera su "picasso", éste tendría el nombre de Enrique Morente. Si no, como dice el amigo tuitero Javier G. Valdivia, ¿A quién se le ocurriría juntar en un estudio y grabar un disco con letras del poeta Garcia Lorca, granaíno como él y con las de otro poeta y cantautor canadiense como Leonard Cohen y tener encima el atrevimiento de hacerse acompañar junto a las exquisitas guitarras flamencas de Vicente Amigo o Cañizares nada más y nada menos que con el grupo de trash-metal también granaíno Lagartija Nick ? Pues eso es lo que hizo con el disco Omega en 1996. Y como dice el amigo Javier, "diganmé si eso no es arte..."

"Si pudiera encontrar alguna manera de colaborar con un artista tan grande como Enrique Morente, sería maravilloso. Si mis canciones fueran traducidas al flamenco me sentiría muy conmovido". Leonard Cohen

Caminos de experimentación que le han llevado a cantar incluso textos inéditos del mismísimo Picasso (Pablo de Málaga, 2008) . Artista infatigable que ha dedicado prácticamente todos los años de su vida a recorrer los caminos del flamenco y abrir otros. Ya su en primer disco en 1967 bajo el escueto título de "Cante Flamenco" y con la guitarra de Félix de Utrera, rompe con los cánones al uso , aún dentro del clasicismo más resuelto, por su impronta personal y por su repertorio que no era moneda de cambio en ese momento.

En lo sucesivo, las grabaciones de Morente seguirán mostrando su inquietud cantaora y su vena creativa junto a las guitarras de Niño Ricardo, Perico del Lunar, Parrilla de Jerez, Manzanita, Paco Cortés, Tomatito, Manolo e Isidoro Sanlúcar, Enrique de Melchor, El Bola, Paquete, Montoyita, Sabicas Luis y, sobre todo, Pepe Habichuela. Es decir, un artista que conoce como nadie los secretos y las raíces más profundas del flamenco más puro y genuino, pero que no quiso conformarse con los caminos trillados, con la ortodoxia,....quiso ir siempre un paso más allá, tendiendo manos y puentes. Su andadura ha estado marcada por su inquietud artística y social, comprometido con su tiempo, siempre abierto al diálogo con otras tradiciones musicales y atento a la introducción de los grandes poetas de la literatura española (Hernández, Lorca, Cernuda, etc.) en los textos de sus creaciones. Impresiona ver su coherencia artística e innovadora, atrevimiento y diversidad de registros, como esa coherencia que le ha llevado, en más de una ocasión, a asumir el riesgo de poner en escena proyectos y espectáculos en los que su participación, lejos de limitarse al cante, se extiende a los papeles de productor, director e intérprete dramático. Así, a mediados de los sesenta, Morente participa en el montaje de "La Celestina" junto al pianista Antonio Robledo. Poco después crea el ballet "Obsesión", estrenado por el Ballet Nacional de Canadá. También junto a Antonio Robledo crea la "Fantasía del cante jondo para voz flamenca y orquesta", estrenada en el Teatro Real de Madrid en 1986, con las guitarras de Juan Habichuela y Gerardo Núñez y la Orquesta Sinfónica de Madrid. En 1988 estrena en el Festival de Granada su audaz "El loco romántico" basado en "El Quijote"; y en 1990, en la Bienal del Flamenco de Sevilla su "Allegro Soleá". Ha compuesto la música de la obra de Martín Recuerda "Las Arrecogías del Beaterio de Santa María Egipciaca". Ha trabajado con Miguel Narros en "Edipo Rey", y ha compuesto, entre otras la música para la película "La Sabina" de José Luis Borau.

Y está ese rara avis llamado Omega, del que ya hablé antes, que reconozco que cuando lo escuché por primera vez me quedé hipnotizado por su propuesta musical, un atrevimiento sin precedentes en el mundo del flamenco. En definitiva, para quitarse el sombrero, para rajarse la camisita blanca flamenca ante este genio y figura, artista que -le duela a quien le duela- entrará por la puerta grande del flamenco y del arte de los pueblos, pues como él decía, la música es su religión, la religión de los pueblos. Adiós, quejío, maestro...

Y para cerrar, esta maravillosa bulería a dúo con el músico argelino de rai Cheb Khaled incluida en el documental sobre su último trabajo "Morente sueña La Alhambra", recientemente emitido por televisión. Un lección de mestizaje y de acercamiento entre los pueblos a través del lenguaje universal de la música.

Derechos Humanos

2010-12-10T14:04:00.004+01:00

Días como hoy no deberían existir pero existen, porque los derechos humanos se violan cada segundo en algún lugar del mundo o incluso a la vuelta de la esquina. Porque el mundo es un lugar realmente grande. Los medios de comunicación y la Internet nos hacen tener la ilusión que el mundo no es tan grande, que todo está bajo control, que podemos viajar rápidamente de un lugar a otro del globo, que lo tenemos todo a golpe de ratón, pero... la realidad no es así: a nivel de suelo, de tierras y de lugares concretos ocurren cosas. Todos los días. Y a la luz del sol o de la noche.Con la impunidad que da el poder de unos pocos, la soberbia o ciertos principios religiosos contrarios a toda razón. Cosas aborrecibles, indignas de la especie humana. Y no siempre son noticia.Hay miedos, hay censuras... Por eso tenemos que recordarnos a nosotros mismos que el mundo puede ser un lugar maravilloso pero también un lugar donde ocurren cosas y situaciones extrañas e inexplicables donde se violan nuestros derechos más elementales. Por eso tenemos que mirar de vez en cuando hacia esos lugares de nuestro mundo y alejar la vista de nuestro propio ombligo. Por eso tal día como hoy escribimos esto.

Haiku # 4

2010-12-08T02:01:00.005+01:00

lanzada al aire
sueña ser mariposa
sámara de arce

Ruta de la imagen: http://florasilvestre.blogspot.com/2010/04/acer-japonicum-acotinifolium.html

Crónica de un instante (III): de cumpleaños y calendarios

2010-12-01T00:05:00.004+01:00

Reloj de Arena de Fran Suárez en http://grupobazanfotodelmes.blogspot.com/

Han pasado dos años en Ínsula Dulcamara. Y en dos años han pasado muchas cosas. Buenas y malas.Tormentas, tempestades y días de calma y radiante sol. De -casi- todo he dejado constancia aquí en mi refugio insular, como el mar deja su constancia cada día y cada noche en la orilla. Dos años no son gran cosa, es verdad. Dos años pasan volando si lo medimos por el calendario. Pero los años tienen sus días y sus noches, sus horas y su minutos, sus segundos... Y a veces, ni eso, cuando el tiempo parece detenerse en algún punto, en algún instante. Lo sentí cuando el año pasado me dejó mi madre y luego, en este fatídico año de pérdidas, dos de mis mejores y viejos amigos, Obi y Lolo. La vida es eterna en cinco minutos, decía en "Te recuerdo Amanda" el gran y malogrado cantautor chileno Victor Jara.

¿Cómo mido este tiempo? ¿Qué significa el tiempo? Nuestra cultura ha sido y será una cultura que lucha por controlar y domesticar al tiempo, obsesionada con el tiempo, inmersa en el tiempo que marcan esas cárceles circulares que atrapan y trituran el tiempo en segundos, minutos y horas y que llamamos relojes. Viviendo contrareloj. No es de extrañar que la palabra cultura derive precisamente del latín Cultus, "cultivo o acción de cultivar". Cultivar la tierra y domesticar el tiempo fueron las dos verdaderas revoluciones humanas que se llevaron a cabo en los tiempos neolíticos.Y ambas empresas fueron parejas, cuando en un instante que duró cientos o miles de años, decidimos que seríamos agricultores y hacernos sedentarios, crear aldeas, pueblos, ciudades y leyes, fronteras y guerras.

La tierra fue domesticada primero con la agricultura y luego, mucho después, a través de la Geometría (Geo- tierra y metros-medición) y la Cartografía.Ya hablé antes de mapas . Hoy toca hablar de instantes y de tiempos, de atrapar el tiempo .Cuenta Herodoto aquella famosa historia de cómo surgió la Geometría en el Antiguo Egipto, al amparo de la agricultura como forma de poder hacer mediciones para evaluar los daños que las crecidas del Nilo causaban en las tierras cultivables de la ribera. El agrimensor miraba al suelo y mientras tanto , astronomos y astrólogos miraban al cielo para intentar encontrar los ciclos y las causas que podían propiciar una buena o mala cosecha a la par que brujos y sacerdotes advenedizos se apropiaban de estos conocimientos astronómicos para aterrorizar e impresionar a sus incultos śubitos.

Por ello todas la culturas se crearon sus "calendarios",su peculiar forma de "cultivar" y domesticar al tiempo en estaciones, ciclos de lluvias y de cosechas. Ese afán de doblegar y predecir el tiempo no era otra cosa que esquivar las "cornás que daba el hambre" al decir de aquel torero, Espartano, cuando se le preguntó porqué se arriesgaba ante el toro. Hubo un momento en que eramos miles y miles de bocas que alimentar y sólo una forma de hacerlo: con las cosechas.El que un año hubiera buena o mala cosecha condicionaba los ciclos de vida y muerte de miles de personas.

La relación de nuestros antepasados con el cielo y las estrellas ha propiciado gran parte de las mitologías y cosmogonías y posteriormente, las distintas religiones que conquistaron ( a sangre y fuego) el mundo. Por eso hubo un tiempo en que el poder y la divinidad se asociaban al conocimiento astrológico, propiciando toda una cultura de mitos, rituales y supersticiones vinculada al control de los elementos, entre ellos el escurridizo tiempo. La supuesta inmortalidad de muchas divinidades no hace sino reforzar esa apropiación extrema del tiempo a manos del poder reinante en el cielo y en la tierra...Y eso fue hace ya mucha memoria y mucho tiempo.

El presente tan sólo dura un instante : lo que tarda el futuro que todavía no existe en convertirse en pasado que ya no existe.

Y así , tal día como hoy, mirando a través de cristales y de cemento también veo ese mismo cielo y estrellas y veo que han pasado dos años. Y agradecido como lo estuve el primer año, lo sigo estando en este segundo a todas las personas que se desvían de las rutas de sus rutinas y le roban esos instantes al ogro del tiempo para naufragar en este refugio insular , ni dulce ni amargo .Y espero seguir habitándolo alguno más y llenándolo de crónicas de instantes. Gracias por estar al otro lado, dondequiera que esté. Gracias...

De viajes, arte y cuentos mayas

2010-11-29T14:56:00.008+01:00

Hace ya bastantes años me embarqué en la aventura de recorrer durante un mes el sur de México en compañía de un viejo amigo, principalmente entre los estados de Oaxaca, Chiapas, Teuantepec y Tabasco. En dicho viaje, entre otras cosas, quedé prendado del arte, la gastronomía y la cultura de las civilizaciones mesoamericanas, en particular del espectacular legado artístico y cultural de los pueblos mayas. Debido a ello, mi arte a partir de entonces sufrió un cambio espectacular: mi dibujo se simplificó, mis lienzos fueron invadidos por animales y figuras antropomórficas y mi paleta de colores se redujo durante muchos años a tonos ocres, tierras, rojos, blancos o negros, como el dibujo "Lágrimas de Minotauro" que encabeza este post, fechado alrededor de 1996. Poco tiempo después hice una recopilación de cuentitos mayas que encontré por internet con la idea de ilustrar y haber una pequeña publicación para regalar a mis amistades. En las distintas hecatombes informáticas que he sufrido creí haber perdido este proyecto pero felizmente el otro día lo encontré agazapado en uno de esos viejos disquetes negros de informática. Me hizo mucha ilusión y aquí está, en forma de publicación online. Recomiendo que se haga doble clic y se vea en sitio web de Calaméo y allí clicando en "leer publicación", mejor a pantalla completa (un icono en forma de recuadro gris que aparece arriba a la derecha , junto a otros iconos de la página)

Recopilación de Cuento Mayas

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Y ya, algunos años después, empecé a ilustrar un cuentito para mi hijo inspirado en una de las Fábulas de La Fontaine "La liebre y las ranas", pero con una evidente influencia de algunos de aquellos maravillosos cuentitos mayas.

Teicú y el miedo

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Microficciones (II) : El pozo sin fondo

2010-11-23T18:50:00.004+01:00

Fotografía: Photobucket

De pequeño soñaba con descubrir los grandes misterios del mundo. Recordando que una vez siendo niño (en el "fondo" lo seguía siendo) arrojó una piedra al fondo de un oscuro pozo y no llegando a escuchar durante horas y horas el ruido del impacto, dedujo con toda la lógica del mundo que el pozo atravesaría la tierra de cabo a rabo. Siendo un científico célebre y longevo volvió a aquel pozo de su infancia y se preparó para el viaje final de su vida: reposar bajo tierra, mejor dicho, en el centro mismo de la Tierra.

Por sus cálculos matemáticos, daba por supuesto de que el pozo estaría lleno de aire y que la caída no sería tan brusca puesto que una vez que el cuerpo alcanzara una cierta y calculada velocidad terminal, la resistencia del aire le impediría seguir acelerando. La inercia le haría atravesar el punto central del gigantesco túnel terráqueo, superarlo y seguir cayendo (o ascendiendo , pensaba él, si alguien lo intentara desde el Polo Sur). Dedujo además que el punto en el que se detendría para volver a caer hacia el centro del planeta sería cada vez más cercano a éste.

Lo había repasado bien. Habían sido años de estudios en la prestigiosa Universidad de Gotinga, cuna de las mas ilustres mentes matemáticas de todos los tiempos. Había escuchado una y otra vez decir que si llegas a la velocidad “c”, te conviertes en energía. Eso, para el octagenario investigador no tenía nada de científico ni concordaba con sus observaciones con respecto a la caída de los objetos en un AN, no hay ni masa infinita ni transformación en energía.

Mientras tanto, ideas y reflujos de ideas le pasaban por la cabeza a velocidad de vértigo:

(1) Supongamos que estás en caída libre, la velocidad aumenta para la referencia externa (quien te mira desde afuera), pero en tu cápsula, sin mirar el exterior (referencia externa), no verás que tu reloj marcha más lento (como algunos piensan), tampoco sabrás si estás en caída libre o flotando en el espacio.

(2) Un cuerpo humano cayendo en caída libre desde un avión se acelerará debido a la gravedad, pero en su rozamiento con el aire la fuerza de resistencia al avance del viento crece con el cuadrado de su velocidad de caída. Por eso si puede abrir un paracaídas, al aumentar drásticamente la superficie que se opone al viento la "velocidad límite" se reduce y es límite porque no seguirá acelerando y bajará con velocidad constante o uniforme. Cuando no abre paracaídas tal condición la alcanza en los 200 km/h aproximadamente, dependiendo de la posición en que se ubica y si tiene algún traje especial para volar mientras cae, etc, etc, etc...

Finalmente, tras sus muchas disquisiciones, estaba convencido de que quedaría en ingrávido y perpetuo reposo en el centro de la Tierra (al menos hasta que a otro "iluminado" se le ocurriese saltar al pozo y lo arrastrara en su vertiginosa caida). Era su sueño. En las crónicas del lugar hablaron de suicidio… lo cierto es que nunca apareció su cuerpo, sólo un montón de apuntes dispersos en su vieja pensión.

Crónica de un instante (II) :Ícaro y Brueghel El Viejo

2010-11-20T18:31:00.011+01:00

Un instante: La triste historia de Ícaro es bien conocida. Siendo breve contaré que Ícaro fue hijo de Dédalo, ingeniero, inventor y arquitecto que construyó el sofisticado laberinto para el rey Minos en Creta y donde el héroe Teseo ayudado por la astucia y el famoso hilo de Ariadna, consiguió vencer al terrible Minotauro. Así es la mitología, los personajes y los dioses estan enredados unos con otros como los bigotes en un plato de gambas. Historias dentro otras historias. Pero volvamos a Ícaro... Dédalo fabricó para ambos unas alas untadas con cera para poder abandonar la isla de Creta donde estaban presos (el rey Minos los encarceló en una torre para salvaguardar el secreto de la construcción del laberinto ) .Una vez sobrevolada la isla, Ícaro sintió el deseo de alcanzar el sol y abandonó a su padre. La cera de sus alas se derritió y cayó en picado al mar...

Otro instante: observemos esta tabla al óleo atribuida al pintor flamenco Brueghel el Viejo, actualmente en el Museé du Beaux Arts de Bruxelas. Vemos el paisaje con una apacible bahía al atarceder, con una cuidad costera y varios barcos meciéndose sobre el suave oleaje. Un campesino se afana labrando la tierra con su arado tirado de un caballo percherón tordo. Más al fondo un pastor mira las musarañas o escudriña el cielo observando las amenazantes nubes que se ciernen sobre él y sus ovejas. Y un pescador que lanza su caña al mar. Pasaría por una escena idílica flamenca, humana en su intrascendencia, un instante sin historia robado al tiempo sin más si no fuera porque el cuadro se llama "Paisaje con la caida de Ícaro". Si observan junto a la carabela unas piernas se agitan desesperadamente y sin auxilio posible hundiéndose en el fondo del mar. Efectivamente, bajo esas piernas el cuerpo de Ícaro se ahoga .

Tercer y último instante: La humanidad vive ajena a los avatares y caprichos de los dioses que, desde entonces, seran sólo pretexto para poetas y pintores. La vida sigue, el labrador cultiva la tierra y el pastor mira las musarañas. Ajenos a dramas y cuentos. Aquellos inmortales dioses y héroes viven su caida en picado, su ocaso en la historia. Un instante de lucidez en la crónica de la historia.

Crónica de un instante (I)

2010-11-12T16:17:00.010+01:00

Dicen que una imagen vale mas que mil palabras. Puede que en contadas ocasiones sea cierto, esta vez no. Una foto es la crónica, la miniatura congelada de una décima de segundo, el tiempo que tarda en disparase y registrase la imagen. Pero siempre hay un antes y siempre hay un después. Crónicas que merecen o no contarse. No hace mucho acompañé a mi progenitor - campesino, trabajador de la tierra desde que tenía uso de razón- a visitar unos terrenos de cultivo,que por circunstancias de la vida, llevaban varios años sin labrar, abandonados a su suerte, a los jaramagos (era primavera tardía) y a los pájaros del campo. Tierras que llegaron a él pasadas de mano en mano de sus padres y a éstos ,a su vez ,de lo suyos.

Estuvimos los dos en silencio - padre e hijo- sin decirnos nada. Puede que fueran minutos puede que fueran horas. Quién sabe. Fue una medida del tiempo difícil de cronometrar por las horas de un reloj. Pude ver la tristeza en sus ojos, pude adivinar lo que le pasaba por la cabeza a mi padre. Imaginé cómo, ante él, estarían desfilando a velocidad de crucero todos esos momentos, todos esos instantes, horas , días y años que dedicó a sacar fruto y ganancia de ésta y otras tierras. Él, ya viejo, ya jubilado e inválido viendo, hasta donde le alcanzaba la vista y la memoria, cómo se ha consumido ya su tiempo y su esfuerzo presintiendo -con razón- el fin de un ciclo, el fin de una forma de vida pegada a la tierra, a sus luces y sus sombras.

Y a su vez, yo en silencio a su espalda, pre-sintiendo ante mí esa misma ráfaga de la memoria, soplándome con fuerza en la cara, la misma que cuando era pequeño me daba en estas mismas tierras cuando tomaba un respiro de las arduas, pesadas y repetitivas tarea agrícolas: cuando la poda, cuando la recogida de sarmientos, cuando hacíamos el "cisco" para tener lumbre en casa, cuando la vendimia, cuando....

Yo entonces era un niño que soñaba siempre estar en otra parte.

Han tenido que pasar cuarenta años para ahora sentir esto. Allí, en silencio de pájaros e insectos, perdido en un tiempo sin tiempo, hasta que mi padre con un lacónico " ¡Vámonos!" puso fin a ese silencio y a la crónica de ese instante. No hablamos durante el trayecto de vuelta al pueblo . A decir verdad, nunca hablábamos mucho.

Experimentos audiovisuales (II):Fotobabble

2010-11-11T00:41:00.004+01:00

He escogido para experiementar con esta sencilla aplicación, Fotobabble, una de mis viejas acuarelas para ilustrar un fragmento de poema de Vicente Aleixandre.

Experimentos audiovisuales (I): MotionFx

2010-11-05T14:22:00.006+01:00

MotionFx es una aplicación online que te permite hacer experimentos multimedia aplicando efectos y combinando tus imágenes, músicas y vídeos. He seleccionado un vídeo de Youtube para hacer mi primer experimento con esta aplicación: "Muybridge Nº 2". Pincha en la imagen del video para acceder al audiovisual. La razón de que esté en otro post es porque no se puede desactivar el audio y puede resultar molesto para leer o ver otros vídeos del blog

"Digital": Nuevas narrativas, nuevos discursos

2010-11-02T16:42:00.004+01:00

Conocí este vídeo gracias al colectivo sevillano ZEMOS98 (www.zemos98.org), que en su séptima edición (ya van por la decimotercera, "Progresa adecuadamente") y bajo el lema "Un espacio y tiempo para la inteligencia colectiva" editaron un DVD bajo licencia Creative Commmons BY-NC en el que se incluía "Digital", este trabajo de León Siminiani como parte del cartel de la Sección Oficial del Festival que se celebró en Marzo de 2005 en Sevilla. En él su autor nos propone una seria reflexión acerca de los profundos cambios que se están operando a través de la revolución digital y sus consecuencias en la vida social. "Digital" ha obtenido numerosas distinciones, entre ellas las siguientes: Festival de Cine Digital de Chile 2005 (Mejor Cortometraje Documental); Sagunto 04 (Premio del Jurado); Radio City 04 (Mejor Cortometraje); CORTArTE 04 (Mejor Documental); Enkarcine 04 (Mejor Documental). Creo que ya en una anterior ocasión hable por esta ínsula de "Digital", pero me apetecía verlo y compartirlo de nuevo.

Miguel Hernández: carta a Josefina Manresa

2010-10-30T16:05:00.007+02:00

Buscando y buscando algo diferente con lo que homenajear el Centenario del poeta, encontré este estremecedor documento, un recitado del fragmento de la carta que el poeta escribió desde la cárcel el 12 de septiembre de 1939 a su compañera Josefina Manresa. No tengo palabras para expresar la emoción que he sentido. Sólo lágrimas.

Carta de Miguel Hernández a Josefina Manresa 12-9-1936

Cargado por winwin2001. -

Improvisa: una maravilla creativa

2010-10-26T00:02:00.001+02:00

Acabo de descubrir IMPROVISA , software desarrollado por el grupo de Instalaciones Pedagógicas, una maravillosa herramienta para crear impresionantes ambientaciones audiovisuales con carpetas de animaciones, imágenes y sonidos. Sus posibilidades creativas son espectaculares ya que nos permite usar el teclado del ordenador como mesa de mezclas. Podemos usar las distintas carpetas de animaciones y sonidos y combinarlas a nuestra voluntad según las teclas que toquemos (cada tecla lleva asociado un sonido y una animación). Con una licencia ( en mi caso una de prueba durante 15 días) también puedes subir y remezclar tus propios archivos multimedia. Los resultados son impecables. Sólo necesitamos un teclado y echar a volar nuestra creatividad. He seleccionado mis tres primeras "improvisaciones". Pinchando en las imágenes podéis visualizar cada una de ellas:

Insectario (I)

Abisal Beat (I)

Esta última "improvisa" es un reinterpretación de mis composiciones fractales, similares a las mostradas en el vídeo del anterior post, dedicado a Mandelbrot.

Variaciones fractales (I)

Criaturas Pschoabisales para Mandelbrot, in memoriam

2010-10-18T11:35:00.012+02:00

Vivimos tan aceleradamente que no damos abasto para las despedidas. Casualmente por el blog Algo más que números me vengo a enterar hoy que el pasado día 14 de octubre falleció el matemático polaco Benoît Mandelbrot, considerado el padre de la geometría fractal. De mi pasión y curiosidad artística por la experimentación fractal ya dejé por esta ínsula algunas muestras en Matemagia. Hoy quiero homenajear a Mandelbrot de la mejor manera que sé, a través del arte con este montaje audiovisual que realicé hace algún tiempo con mis experimentos fractales con dos programas de software : Tiera-zon.V29 y FTP (Fractal Therapeutic Projet), todos ellos basados en las aportaciones de Mandelbrot: los Conjuntos de Mandelbrot y Conjuntos de Julia . Para quienes tengan curiosidad, en el site Betweencreation he recopilado algunas de mis trabajos artísticos con fractales: "Creaturas psichoabisales" . Y para quienes tengan aún más curiosidad, este site donde se recopilan toda una serie de programas para generar fractales por si alguien se anima.Lo recomiento, es altamente relajante, sorprendente y terapéutico.

Creaturas psichoabisales from Manuel Pérez Báñez on Vimeo.

Franz Kafka por Piotr Dumala (1992)

2010-10-13T00:01:00.001+02:00

Sueño y pesadilla se unen para dar forma al mundo de sombras literarias y artísticas que nos propone el original realizador polaco Piotr Dumala. Un sugerente cortometraje de animación de aproximadamente 17 minutos sobre el escritor Franz Kafka que hace justicia al asfixiante mundo creado por el autor de novelas como "La Metamorfósis", "La muralla china" o "El proceso", a base de un encadenado de sugerentes juegos de luces y sombras hechos con la paciencia de un artesano grabador, no en vano la peculiar técnica de este artista consiste en dibujar las secuencias tallando con gubias sobre un yeso teñido de negro en superficie, sacando de la oscuridad los blancos y las luces. No entretengo más. Os recomiendo -para después y si os apetece- que echéis un vistazo a esta entrevista que le realizaron al autor.

Escultores de papel

2010-10-11T18:44:00.014+02:00

Un cúmulo de circunstancias concatenadas han propiciado que escriba hoy este post. Ayer mismo en Twitter mi amigo Gregorio Toribio (@gregoriotoribio) me referencia el trabajo de un impresionante artista del papel, Jeff Nishinaka cuya web oficial no os podéis perder para maravillaros con lo que este artista es capaz de hacer con este material. El caso es que me acordé de un viejo post, Origami: El arte de la perfección, que le dediqué en este blog a un maestro del origami, Sipho Mabona y ayer mismo lo compartía con mis amigos y amigas en Twitter. Pues hoy estos mismos amigos me da la noticia del fallecimiento de otro gran genio del origami, Eric Joisel (http://www.ericjoisel.com/). Así que valga este post como tributo a éste y otros grandes y desconocidos artistas, escultores de sueños en papel.

Eric Joisel from Jamie Kelley on Vimeo.

Mitología vs Micología (I)

2010-10-06T23:31:00.008+02:00

El año pasado por estas fechas ya anunciaba por esta ínsula la inminente temporada otoñal de setas, la estación micológica por excelencia . Este año, lamentablemente me la perderé en su mayor parte . Así que, aquí me tienen, escribiendo y fabulando sobre ellas, para no echarlas de menos. Así que daré rienda suelta a estas otras dos pasiones mías, la micología y la mitología, aderezadas con una pizca de arte.

Micología y mitología son dos palabras muy parecidas y no sólo gramaticalmente, porque ambas están estrechamente unidasa lo largo y ancho de nuestra historia. Y de eso trata este post, de las hibridaciones que las setas han tenido en las distintas narraciones mitológicas de muchas culturas tanto europeas, prehispánicas o asiáticas, por hablar de las más documentadas, porque es evidente que nuestros más remotos antepasados neardenthales y h.sapiens como buenos conocedores de su entorno bien debieron estar familiarizados con ellas y con los distintos poderes alimenticios, medicinales o alucinógenos de muchas especies de hongos, como lo demuestran los restos de esporas encontrados entre los enseres y restos domésticos en muchos yacimientos.

Pero vamos a comenzar este viaje alucinante de la Micología a través de la mitología en Micenas. La civilización micénica, aparece según las fuentes históricas hace mas o menos 3500 años y existe una curiosa leyenda relacionada con la etimología de la palabra micología, y resumiéndola mucho, es la siguiente.

Cuenta la leyenda que Perseo (no hace mucho que hablé aquí precisamente de éste héroe mitológico y de las Perséidas,) mató a su abuelo Acrisio accidentalmente, y debía sucederlo en el trono de Argos. Cuando Perseo volvió a Argos, avergonzado por lo sucedido intercambió el reino con Megapenthes, hijo de Proeto. De esta forma cuando recibió el reino de Proeto, fundó Micenas, porque en aquel punto se había desprendido la contera de su vaina, y consideró que éste era un signo propicio para fundar una ciudad. Estando sediento, agarro una seta (mykes) y la exprimió sacando agua de ella, satisfaciendo su sed, contento con ello, dio al lugar el nombre de MICENAS.

Como dato ciéntífico, tambien diré que La micología (Gr. mykes=seta+logos=discurso), etimológicamente, es el estudio de las setas. La micología empezó hace mucho tiempo, pues las setas (las que tienen el típico sombrerito) están entre los hongos más grandes y atrajeron la atención de los naturistas. Los biólogos y micólogos usan igualmente el término hongos (L. fungus = setas, del Gr.. sphongos = esponja) para definirlas.

Pero dejemos por un momento la seriedad y taxonomía de la ciencia para los científicos y sigamos aventurándonos con las setas en el fascinante mundo de la mitología. Hay muchas leyendas populares y canciones que vinculan a las gentes de las bosques y las montañas con las setas, cuya súbita aparición y rápido crecimiento le ha parecido siempre extraño al hombre. Sus formas y colores extraños (a veces hasta luminosos y fluorescentes como la Omphalotus Olearius, popularmente conocida como la seta del olivo), su naturaleza esquiva y frecuentemente venenosa, se considera signo cierto de que esos productos son huevos del diablo o cosas de brujas o cuanto menos, de dudosa comestibilidad y sí de mucho respeto.

Como ya mencionara en el post del año pasado , La seta más “popular” por estar relacionada con los cuentos infantiles populares (en Alicia en el País de las Maravillas, por ejemplo) o con envenenamientos, pócimas de brujas o con los populares gnomos del bosque , es la conocida Amanita Muscaria, ejemplar que aparece en la imagen de la izquierda. Es una seta que no pasa desapercibida allí donde se encuentra por su vistoso y gran sombrero rojo anaranjado salpicado de escamas o verrugas blancas .Por otro lado, sus propiedades venenosas y alucinógenas han dado lugar a que sobre ellas se fabulen y cuenten miles de historias. Citaré sólo algunas. Para los celtas eran tabú las setas rojas y también muchos alimentos rojos, como las serbas y las bayas y frutas rojas. Estas eran el alimento de los dioses. Los elfos, duendes, brujos, así como curanderos y chamanes de muchas culturas pretenden que estas setas son propiedad particular suya, como lo reflejan los nombres de setas como Garrote Mágico Amarillo, Gorro Suave de los Elfos, Capucha de los Duendes de la Duna y Silla de Montar de las Dríadas.
Plinio el Viejo (s. I. d.C) llama a los hongos deorum cibus ("manjar de los dioses"), una denominación parecida a la que le dan los griegos. Las palabras néctar y ambrosía significan "inmortal" y tal denominación podría corresponder al jugo del hongo Amanita muscaria, consumido en los festivales dionisíacos. Y he aquí una de las claves del misterio: la Amanita muscaria es un hongo alucinógeno que prolifera mucho en bosques . Se le ha bautizado con multitud de nombres según las zonas: agárico matamoscas, falsa oronja, oronja maléfica, oropéndola loca..., debido, sobre todo, a la intoxicación que produce su ingesta a causa del alcaloide muscarina, que ocasiona trastornos en el sistema nervioso y digestivo

La Amanita muscaria aplicada como estimulante fue muy popular en el norte de Europa. Se supone que sus propiedades alucinógenas eran las que conducían el Bersek, esto es, el terrible furor de los vikingos cuando entraban en batalla. Según algunas tradiciones escandinavas, los vikingos ingerían este hongo también llamado "berserk" antes de iniciar el ataque a un barco o a un poblado, ya que aumentaba su valor y su fuerza. Y porque además en la mitología nórdica vikinga, Odín fue perseguido una vez por los demonios y los borbotones de espuma roja que le caían de la boca de su corcel, Slepnir, de seis patas, en su galopar se transformaban mágicamente en setas rojas. Así, pues, esta seta también era un don de los dioses, una seta “mágica”

La tribu siberiana de los koriak nunca tira la orina de la persona embriagada por este hongo : el sujeto mismo se la bebe, para prolongar sus visiones, o bien se la ofrece, a manera de generosa invitación, a sus compañeros. La creencia en duendes y gnomos viene determinada por la ingestión del "matamoscas". que es como popularmente se le conoce a esta seta. La base de estas visiones de criaturas menudas o elementales se encontraría en los efectos alucinógenos que provoca la ebriedad originada por la muscarina, el principio activo alucinógeno.
Algunos testimonios de personas que los han consumidos dicen que tienen sensaciones de euforia, fuerza física y locuacidad. También se sufren alucinaciones espaciales y visiones: el entorno se llena de pequeñas chispas luminosas que se mueven con una gran agitación y los objetos parecen aumentar de volumen. Con eso no quiero hacer ni mucho menos apología de estas setas sino muy al contrario, ya que hay cientos de variedades de una misma seta y no todas tienen las mismas carácterísticas en cuanto a su toxicidad. Así que, mejor disfrutarlas viéndolas y contando a los niños estas viejas historias en el bosque y ya está...
(Continuará)
Fuentes:
http://www.fungipedia.es/

Cigüeñas

2010-10-04T13:28:00.008+02:00

Hacía tiempo que no publicaba por aquí ninguno de mis haikus. Por suerte o por desgracia, dispongo ahora de tiempo para sacar adelante todo esas cosillas que yacen olvidadas en los viejos cuadernillos Moleskine o en el polvo de la memoria. Recientemente, explorando la maravillosa Costa Vicentina del sur de Portugal, me topé con esta imagen: un conjunto de cigüeñas anidando y criando en unas imponentes atalayas al borde mismo de unos acantilados de vértigo y con el encrespado mar rugiendo más abajo. la belleza de la escena me sobrecogió de tal manera que, aparte de hacerles algunas fotografías , escribí y les dediqué estos tres haikus, cáspulas de poesía como las llama Octavio Paz en su introducción a Sendas de Oku de Matsuo Basho.

Nido y cigüeña.
El oleaje se apiada
de su atalaya

Ni el bravío mar
siquiera pretende
mojar el nido

Remanso de paz,
en el azogue del mar
crían las cigüeñas.

Rothko, el pintor de los silencios

2010-09-25T23:14:00.011+02:00

Todos los días significan algo, cada día para alguién en algún rincón del ancho mundo , significa algo. Hoy, esta noche, es 25 de Septiembre y me vengo a enterar - como ya viene siendo costumbre- por Twitter, que tal día como hoy, nació allá por 1903 en algún lugar de la Letonia rusa, Marcus Rothkowitz, de origen judío , emigrado a Estados Unidos a los 7 años y que llegaría a ser más conocido en el mundo del Arte como Marc Rothko. Y pensé que bien se merecía dedicarle este post.

He admirado de siempre a muchos artistas y a muchas obras de arte de diferentes épocas y estilos. Cuando he tenido la inmensa suerte de verlas en directo, algunas obras y artistas se me han desinflado a la vista y otras, sin esperarmelo, me han dejado una huella imborrable. Éste es el caso de Rothko, cuando pude contemplar una muy especial e intimista exposición suya en la imponente Tate Modern de Londres . Y digo especial porque los cuadros estaban colgados ( a mí me parecía mas bien que flotaban ) en una sala acondicionada según los propios criterios y apuntes del artista, con las obras colocadas a gran altura y con una ténue iluminación al estilo de su Capilla de Houston, un espacio casi de "oración plástica" donde catorce cuadros murales casi monocromáticos cubren un espacio octogonal, lo que para muchos constituye su testamento vital y artístico.

De repente, al entrar por una pequeña puerta en una especie de cubo negro situado como una Kaashba en medio de una gran sala, me recibe un resplandor de inmensas manchas flotantes de color: rectángulos ocres, rojos y negros en su solemnidad cromática se enfrentan a mí mismo y me sumergen en un estado de contemplación que hacen que me desprenda de tanto lastre innecesario, de tanta cultura inservible para mostrarme caminos que tal vez conduzcan hasta el abismo del vacío y de vuelta a la existencia. En pocas palabras, literalmente absorbido por su creación, reducido a la mínima expresión, mudo...Experiencia estética que sólo recuerdo haber experimentado cuando tuve la infinita suerte de poder contemplar las pinturas de Altamira, justo a tiempo antes de que se cerraran definitivamente al público.

Poco puedo decir que no s ehaya dicho ya acerca de Rohtko y su espiritualidad, de como su vida fue una agónica lucha, de cómo su arte una larga evolución pictórica para llegar a la no-forma: un fondo monócromo sobre el que flotan áreas rectangulares de colores simbólicos creando tensión entre ellos. De cómo su vida y su obra quedaron definitivamente marcadas por la tragedia, aquel fatídico 25 Febrero de 1970 cuando decide, atiborrado de antidepresivos y hundido en el alcohol, poner fin a su vida y su dolor. Dicen que sus últimas obras eran una premonición. Pero se dicen muchas cosas.... Cierro el post con este especial tributo de Joshua Sellers, donde el silencio ha sido sustituido por la música de un cuarteto de cuerdas.

El Arte que surgió del frío...tropical

2010-09-18T00:43:00.010+02:00

LOS FRIOS / MONSTRUOS DEVORADORES DE ENERGIA

El otro día tuve la suerte de disfrutar en familia de una curiosa exposición artística al aire libre en pleno centro de Sevilla. Estaba patrocinada por una conocida marca de ron y se llamaba “Monstruos devoradores de energía”, a la que corresponde el reportaje (de esta misma muestra en el Grand Palais de París) que encabeza este post. Y me quedé pensando, pensando en lo que de auténtico o artificial queda hoy día en el arte…

Y esta noche fresca, tras bajar de la azotea me puse a mirar mi casa, los cientos de objetos que nos rodean como pieles, como capas de cebolla. La mayoría anodinos, serviciales, prácticos, tecnológicos, sin magia…la mayoría no nos harían ni siquiera llorar porque su vida útil durará apenas un suspiro. Pero ya me estoy yendo por las ramas y por las azoteas del pensamiento….

“Monstruos devoradores de energía” es un homenaje a los objetos que nos acompañan a lo largo de nuestra vida. Y en la vida cubana, el refrigerador y la nevera, mas que ser un simple electrodoméstico, es todo un icono sobre el que gira la vida familiar del país, como para muchos de nosotros fue la televisión en los 60 o 70. En Cuba , el refrigerador ocupa un lugar preferente en la casa. Se mima y se cuida como oro en paño. Sobre él se colocan santos y deidades y ofrendas, y retratos de familia y objetos en sincrética convivencia que -como el propio refrigerador o la “nevera”, que también le llamamos por Andalucía – van viendo pasar una o varias generaciones, abriéndose y cerrándose, abriéndose y cerrándose. Pero ocurre que ya no pueden más, que sus oxidados motores revientan, sus herrajes e oxidan, dejan de enfriar y a hacer un ruido infernal.

El gobierno cubano impulsó con la llamada Revolución Energética, la retirada de estos “monstruos” que sólo hacía consumir kilovatios. Hasta ahí todo normal. Es el progreso. Pero hay objetos que reclaman que se les devuelva la dignidad del servicio prestado durante tantos años. Y aquí entra la magia del arte, ese arte sin pretensiones mediante el cual los objetos comienzan a hablar, a contarnos sus mas inconfesables secretos. Un grupo de artistas cubanos llamado ”Los Fríos” así lo entendió y se propuso la ardua tarea de utilizar las modestas y desvencijadas neveras como soporte artístico de excepción. La historia la cuentan sus protagonistas en el vídeo así que les dejo el mérito a ellos.

Entonces, al hilo de esta exposición y de la suave y fresca brisa de mi azotea sevillana , recordé algo que dijo un escultor nigeriano de nombre impronunciable, Sokari nosequé:

“lo que hace hermosos a los objetos es su poder, no su forma”

Y pensando y tendiendo y considerando, retrocedí al origen, a las pinturas prehistóricas escondidas en lo más profundo de las cuevas, a las figurillas y enseres que enterraban en lo más profundo de las pirámides egipcias, al misterioso arte de ciertos escultores de Mali que tallan y colocan en sitios secretos sus fetiches. Todas estas obras de arte vivían ocultas ¿ De qué servían entonces, si nadie las veía o disfrutaba? Dicen los antropólogos que este arte era una forma de supervivencia asociada a sus ritos religiosos, que se creaba para jugar un papel específico: curar, proteger honrar, traer la lluvia o la descendencia deseada que garantizara el nexo de conexión entre el pasado, el presente y el futuro. En definitiva, un arte nacido como necesidad para soportar la vida diaria. Como esas viejas y destartaladas neveras que ahora, revestidas y resucitadas y envueltas en el aura del arte nos dicen, nos recuerdan que también tuvieron su alma, que estuvieron ahí, en las duras y las maduras, en los buenos y malos momentos de cada familia y de eso en Cuba saben una jartá y además le ponen arte.

El otro día en la sevillana Plaza de San Francisco, un santuario vertical de cincuenta y tantas neveras arropadas de arte me hicieron pensar incluso en aquellas colosales cabezas de la Isla de Pascua y en el montón de pequeñas y grandes cosas que en la vorágine de nuestro mundo moderno vamos dejando de lado, como este afilador que ajeno al paso del tiempo y a la exposición y a la bulla de la calle, sacaba filo a cuchillos jamoneros y viejas tijeras, objetos de culto, objetos...

MotionFx Video: Exp. Muybridge Nº 2

2010-09-05T14:15:00.005+02:00

MotionFx Video: Exp.Muybridge Nº 2

Las Fridas de Frida Kahlo

2010-08-28T18:20:00.009+02:00

-“Baja Diego, que quiero enseñarte algo”.
Con estas incisivas palabras se inicia una de las “relaciones artísticas” más turbulentas y que mas ríos de tinta y algunos cientos de metros de celuloide han hecho correr. Corría el año 1928, una joven y decidida Frida Kahlo se dirige al pie del andamio donde el gran muralista mexicano Diego de Rivera estaba trabajando en unos de sus encargos para la Secretaría de Educación. Llevaba bajo el brazo un hatillo con varias obras suyas y cuando éste bajó entre perplejo y admirado por la insolencia con que se presentó esa menuda y frágil mujer, le espeta: -“Dime pronto si te parecen buenas, porque yo tengo que trabajar para vivir"- ( lo que en honor a la verdad, no era del todo cierto, ya que ella provenía de una familia pudiente, pero que utilizó como un dardo envenenado para apelar a la sensibilidad y espíritu proletario del muralista, fiel a los principios de la revolución mexicana). Un par de años antes, el 17 de septiembre de 1926, sufre un terrible accidente, cuando viajando en un autobús este es colisionado por un tranvía. El resultado fue rotura de la columna vertebral en tres sitios, así como la clavícula, tres costillas, la pierna y el pie derecho. Un tubo le atraviesa la cadera hasta el sexo produciéndole una triple fractura de la pelvis que le impediría tener hijos. Ese accidente la marcaría para toda su vida, habiendo sido su manantial de horrores físicos , abortos y en muchos momentos, origen de la tragedia reflejada en su obra artística y a título póstumo, de su leyenda.

"La columna rota" (1944)

Hasta aquí una historia mil veces contada, en cientos de biografías y más recientemente, en películas y documentales. Los artistas interesan más cuando sus vidas o bien son excéntricas o son dramas o acaban en pasiones desatadas. Siempre ha existido un particular interés en asociar el genio y la creatividad artística con algún tipo de excentricidad, culebrón pasional, minusvalía física o enfermedad patológica. Un caso de todos conocido es el de Van Gogh (genio atormentado, locura), pero también tenemos a Goya (Sordera), Toulouse-Lautrec (deformación física), Jackson Pollock (tormentos pasionales, alcoholismo, muerte violenta, etc), Caravaggio ( vida pendenciera, supuesta homosexualidad ), Modigliani (romanticismo, muerte pasional) , Picasso (egoísta, genio, mujeriego) y un variopinto elenco de músicos y escritores de ambos sexos que han visto sus vidas y miserias historiadas, noveladas y en muchas ocasiones, reinventadas y edulcoradas de romanticismo de cara a la galería (de cine). Pienso en el biopic sobre Van Gogh “El loco del pelo rojo” de V. Minelli, por ejemplo.

Pero, al igual que sucede con la obra de los anteriores artistas, muchas veces es la propia obra artística la gran desconocida, eclipsada por el peso de las grandilocuentes y a veces, excesivamente mitificadas biografías. En las obras de los propios artistas están muchas de las respuestas, pero también muchas preguntas que - a través de su arte- nos lanzan, por lo que cada cual debe recoger el testigo y responderse a sí mismo, en la medida que sea capaz de considerar que a través del arte todavía podemos aprender mucho acerca de las personas y del mundo. Así que volvamos a la obra de Frida Kahlo. Y dentro de su obra , a sus muchos y sorprendentes autorretratos, el eje vertebral de casi toda su producción.

Autorretrato "Venadito" (1946)

Muchos artistas han utilizado este género (el autorretrato) para dar una particular e interesada imagen de sí mismos, de su estatus y del arte en general, aparte de ser un “modelo” barato y asequible cuando no se disponía de otros medios. Ya lo hicieron Durero, Rembrant, Goya, Van Gogh, Picasso y tantos otros artistas. Y también lo hizo Frida Kahlo. A través del autorretrato va construyendo distintas imágenes de sí misma, todas ellas con una fuerte significación simbólica y psicológica. Fue precisamente durante su convalecencia después del grave accidente, cuando comienza a pintar. Sus primeros retratos son convencionales y un tanto oscuros. Cuando ella misma se retrata aparece como una mujer totalmente distinta a la Frida de rasgos indígenas que estamos acostumbrados a ver: nos aparece sofisticada, con el pelo recogido hacia atrás, en pose lánguida más propia de los años 20 como podemos ver en algunas de sus fotografías. Algunos de estos rasgos quedarán minimizados o ignorados en sus posteriores autorretratos, tales con su tez pálida , sus delicadas manos o la finura de su cuello. Sus ojos oscuros y largas cejas permanecerán como rasgo más distintivo. Algunas historiadoras sostienen que el cambio radical en su imagen fue a raíz de su encuentro y matrimonio con Diego de Rivera .

Comenta la historiadora Hayden Herrera que a “Rivera le gustaba subrayar el linaje y aspecto indio de Frida, ensalzándola como autentica, primitiva”.Lo cierto es que sea por la influencia “indigenista” de Rivera o por esa búsqueda de la identidad personal como mujer y como artista a través del retrato, Frida empieza a forjar una nueva imagen de sí misma, más próxima a la imagen que estamos acostumbrados a ver en los catálogos, exposiciones, etc. Vemos a una mujer que ahora lleva suelta la cabellera, revuelta sobre la cara o constreñida por grandes moños, trenza o tirantes coletas, como metáfora quizá de su esfuerzo por controlar su arisca naturaleza y como sacrificio para despertar la admiración y el amor en su pareja.

Perseguía en esta “pose” tanto la revitalización de la cultura tradicional precolombina y el arte popular mexicano tras la Revolución como esa opción social de identificación con su pueblo, con sus raíces, con su propia y rica cultura y tradiciones populares, que por entonces fascinaba a muchos artistas europeos, especialmente a los surrealistas que peregrinaron en masa a México en busca de inspiración y reencuentro con formas de arte y de vida “no contaminadas” que creyeron hallar en las ricas creencias , tradiciones y muestras de arte del México prehispánico. Un apunte: 1938 es el año en que llega a México André Breton, con una mirada predispuesta a encontrar ( a “descubrir”) el surrealismo en este país, y con Frida no es la excepción; inmediatamente la circunscribe como parte de la esencia del movimiento surrealista y le escribe el ensayo "Un listón de seda alrededor de una bomba" en referencia a su tormentosa relación matrimonial y artística con Diego de Rivera .Esta etiqueta de surrealista a la obra de Frida Kahlo, es una de las 'equivocaciones' que se han continuado entre el público masivo con respecto a su clasificación y entendimiento, baste citar sus propias palabras: "...pensaron que yo era surrealista, pero no lo fui. Nunca pinté mis sueños, sólo pinté mi propia realidad".

En este contexto de efervescencia cultural que se vivía en su país y la admiración que despertaba en el extranjero, especialmente en Estado Unidos, Frida empieza a arreglarse y vestirse con el traje popular mexicano, especialmente de la provincia de Tehuana, donde estaban sus raíces. Esta imagen se consolida a lo largo de su convivencia con Rivera, pero que adquiere una especial significación tras su divorcio. Es precisamente a partir de ese momento cuando Frida se hace acompañar en sus autorretratos de una peculiar serie de compañeros: esqueletos, sus sobrinos, una hermana gemela ( “Las dos Fridas”) y ciertos animales o mascotas. De esas últimas podemos resaltar el especial protagonismo de los monos. Estos aparecen en algunos de sus cuadros abrazándola como amigos íntimos. El simbolismo de los monos aparece con cierta frecuencia en las representaciones artísticas. En el Renacimiento, por ejemplo, su imagen o presencia estaba asociado a la promiscuidad y la lujuria. Quien esté familiarizado con el arte quizá recuerde una gran obra del pintor puntillista Seurat “Una tarde en la Grand Jatte”, donde una mujer (dicen algunos que posiblemente se trate de una prostituta) aparece paseando a un mono. En la obra de Frida sería fácil recurrir a la consabida infidelidad de Rivera que en cierta forma propició el divorcio de la pareja o en la actitud de la propia Khalo, que en público reaccionaba mostrándose provocativa con hombres o mujeres, teniendo parejas y amantes de ambos sexos. Pero también es posible que como ella reconocía, no consideraba su obra surrealista sino que era el reflejo de su propia vida, por lo que la presencia de los monos, mas allá de todo simbolismo plausible, responde a un hecho cotidiano y real: sus mascotas. En su casa había muchos animales de mascotas. También monos. Especialmente uno al que Frida tenía un especial cariño por ser un regalo de Diego y que se llamaba “Caimito de Guayabal”.

Otros animales también hacen acto de presencia en algunos de sus cuadros. Por ejemplo, el gato negro. Si echemos manos al simbolismo de este animal encontraremos claras vinculaciones con los poderes nocturnos, la luna, el misterio de la oscuridad, supersticiones, etc. Por otro lado, en Egipto, era un animal consagrado a Bast, deidad protectora del matrimonio. Pero nuevamente esta interpretación quizá sea rebuscada, siendo más lógico asociar al animal con una mascota cercana o con la tradicional imagen supersticiosa de la “mala suerte” que lleva asociada en nuestra cultura occidental.
De la misma manera podemos interpretar la presencia de perros en otros cuadros, como alusión directa a la fidelidad o a su ausencia. O también como reflejo del entorno doméstico con sus mascotas, sin más.
Y podría continuar con muchos otros símbolos presentes en las obras de Frida Khalo, pero sería ya prolongar en exceso este post. Siempre es mejor dejar con ganas de más.Cierro con un fragmento de un documental con música del grupo pop mexicano Café Tacuba, que me encanta

Consideraciones sobre Perseos y Perséidas

2010-08-11T22:53:00.010+02:00

Crédito: Atlas Coelestis de Johannes Hevelius.1690.

Si las tormentas y la polución lumínica de muchas ciudades no se lo impiden ,en estas fechas tenemos espectáculos nocturnos -gratuitos- de especial "consideración" (por cierto, considerar deriva de sidereo, por lo que etimológicamente equivale a "estar con las estrellas"). Popularmente se les conoce como "Lágrimas de San Lorenzo", por la proximidad de dicha onomástica (10 de Agosto). Y de forma más culta y poética "Las Perséidas" en forma de una llamativa lluvia de meteoros, pequeñas partículas que se convierten en magníficos fuegos artificiales (esta vez más naturales). Dice el refrán que “la lluvia por San Lorenzo, siempre llega a tiempo”. Y es que, cuando se aproxima la onomástica de este santo, los agricultores miran al cielo esperanzados en busca de una llovizna que de un respiro a los campos y declare una tregua al calor más que sofocante del verano.

Pero dejando a un lado las cuestiones climatológicas, lo cierto es que la festividad de San Lorenzo nos trae cada año una lluvia de otro tipo, especial y diferente, en la que el cielo, en lugar de aguaceros, decide regalarnos cientos de estrellas fugaces.La popularidad de las Perseidas se fundamenta en primer lugar en la dimensión del fenómeno, en las favorables condiciones de visibilidad y ocio de las noches veraniegas y … en la carga de significados de la mitología ancestral. Por una vez miramos al cielo y mas que mirar, vemos, leemos historias, mitos y leyendas antiguamente depositados por las grandes tradiciones culturales de los cuatro continentes sean tradiciones occidentales, africanas o mesoamericanas , polinesias. Todos los pueblos primitivos miraron tanto con temor como con admiración al espectáculo estelar del cielo buscando respuestas o formulando preguntas en sus respectivas cosmogonías o relatos primordiales mediantes los cuales explicaban sus orígenes y la creación del universo.

Resulta curioso que, pese a tratarse de fenómenos con una clara explicación científica, las lluvias de estrellas –y ésta en particular- no dejan de suscitar asombro y expectación. El viejo componente mágico y ancestral, una vez más, suele eclipsar a lo científico. Por lo general, resulta obvio explicar que lo que conocemos como ‘estrellas fugaces’ nada tienen de mágico y sobrenatural, que no son otra cosa que meteriodes: partículas de polvo de tamaño variable que se desprenden de un cometa que sigue su órbita y que se 'encienden' al entrar en contacto con nuestra atmósfera. Al final, casi todos los que nos rodean, y probablemente también nosotros mismos, acabaremos mirando al cielo y formulando un deseo (confesable o inconfesable, según cada cual).Tenemos esas manías tan humanas.

El nombre de Perséidas deriva - como habrán podido suponer- del héroe mitológico Perseo. La mitología griega con su Zodiaco pintó un sugerente mapa del cielo nocturno, lleno de centauros, unicornios, caballos alados, carros y dioses. Por cierto, en la imagen que encabeza este post incluida en el catálogo celestial de Johannes Hevelius, donde se hace referencia a la constelación de Andrómeda y a las de Casiopea -madre de Andrómeda según la mitología- y Pegaso. Cuenta Ovidio en Las Metamorfosis que cuando Perseo se enfrentó a Medusa, el monstruo con cabeza de serpientes, de una de las héridas surgió Pegaso, el caballo alado y constelación vecina a la de Andrómeda, como reproduce el siguiente grabado.

Normalmente las lluvias de estrellas se bautizan con el nombre de la constelación desde la cual parecen provenir los meteoros o estrellas fugaces, lo que científicamente se denomina "punto radiante". En el caso de las Lágrimas de San Lorenzo, el radiante se localiza en la constelación de Perseo, de ahí que este fenómeno se conozca también con el nombre de Perseidas.

Perseo se ubica junto a la constelación de Andrómeda. La historia de amor entre ambos personajes mitológicos hace que las Perseidas adquieran un cierto tinte de romanticismo. Aunque ubicados en constelaciones diferentes, los griegos relacionaron a Perseo, hijo de Zeus, con Andrómeda, princesa de Etiopía. Cuenta la mitología (que es la imagen que pintó Piero di Cosimo en su cuadro "El rescate de Andrómeda" que aparece reproducido e un cuadro de Piero di Cosimo unas líneas más abajo) que para expiar un crimen de su madre, Andrómeda fue ofrecida en sacrificio a un temible monstruo marino. Encadenada a una roca a orillas del mar, la princesa esperaba su destino cuando Perseo (que casualmente pasaba por allí volando o desviado por no recuerdo que oportunos vientos) acudió en su rescate y acabó con el animal, para después reclamar a Andrómeda como esposa. Pero la cosa no acabó ahí....pero eso sería otra historia y otro post.

Crédito:Piero di Cosimo, 1513 Perseus Frees Andromeda Picture @ Uffizi Gallery, Florence

Hasta aquí todo bien. ¿pero quien fué ese Perseo ?¿Que méritos hizo para que se le adjudicase una constelación? (ahora somos más terrenales y damos nombres de calles , avenidas y plazas a las "personalidades" nacionales e internacionales). Pues ya lo ven. Y es que, la figura de Perseo y las Perseidas están envueltas en simbología. Antes de engendrar a su hijo, el propio Zeus (dios de dioses griegos) tuvo que colarse en la estancia donde estaba recluida Dánae, la madre de Perseo. Para entrar en la habitación, el dios se vio obligado a metamorfosearse, según cuenta el poeta Publio Ovidio Nasón en Las Metamorfosis. ¿Y en qué se transformó Zeus? En una espectacular y sorprendente lluvia de oro…Nada más, y nada menos . El maestro Tiziano inmortalizó este momento en su famoso cuadro "Danae y la lluvia de oro "

Tiziano Vecellio di Gregorio. Año 1553. Colección Real. Museo del Prado (Madrid)

Habría que recordar que los dos grandes héroes de la mitología clásica representados en las constelaciones son Hércules y Perseo. Hay quien -haciendo instrospección psicomitológica- los entiende de manera complementaria. El primero representa el proceso ejecutivo de los objetivos de una empresa, las fases de su realización: los doce trabajos de Hércules, asociados a la misma significación de los doce signos zodiacales que constituyen una sucesión de valores alternativos. El segundo representa el proceso creativo, que va del querer al poder . Perseo es el mito que tiene más en cuenta el valor de la mirada. Perseo es el héroe del amor por excelencia, el héroe del querer en su sentido más amplio de relación entre pensamiento y voluntad. Querer como elección, decisión consciente y elegida, se lo que quiero; querer como entrega emocional, estar profundamente rendido y convencido; y querer como determinación ejecutiva, estar dispuesto a llevar adelante el propósito, ser capaz de lo que sea (una posibilidad de ser incluso aterradora).

Y en su proyecto cuenta con los mejores apoyos ( o lo que diríamos hoy "mecenas" o "patrocinadores") de Palas Atenea, diosa guerrera de la sabiduría y Hermes (Mercurio para los romanos), mensajero de los dioses, representante del comercio y la comunicación...y por supuesto, de su superpoderoso padre Zeus. Menudos ingredientes: poder, sabiduría y comunicación.¡ ¡La clave del éxito en cualquier empresa !! En efecto, cuentan las crónicas de Ovidio que Zeus ordenó a los dioses que ayudaran a su hijo Perseo a cumplir con su promesa de acabar con Medusa.

En esta pintura Perseo es ayudado por Atenea y Hermes a ponerse la Armadura

Atenea regaló a Perseo un escudo tan pulido que reflejaba las imágenes como un espejo, con la finalidad de poder ver a Medusa reflejada sin poder así ser convertido en piedra. El dios Hermes regalo a Perseo una espada muy afilada para poder cortar la cabeza a medusa, este era el único método para exterminar a una Gorgona.

Perseo también consiguió averiguar con una cierta habilidad y astucia el camino secreto de la laguna Estigia, Ali encontró a las Náyades, que eran tres viejas hermanas que vivían en el monte Atlas. Las Náyades guardaban algunos objetos que le seria a Perseo de mucha utilidad, Las viejas hermanas le prestaron a Perseo -sin demasiadas facilidades- unas sandalias con alas para poder volar, un zurrón mágico para poder guardar la cabeza de Medusa y una capa indestructible y un casco que le haría invisible.

Inmediatamente después de conseguir estos valiosos objetos, el joven Perseo se dirigió a Libia donde vivía la horrible y peligrosa Medusa y después, ya saben., volando voy, volando vengo... la "liberación" de Andrómeda.

En definitiva, lo ideal para disfrutar (si no este año ya para el siguiente) de esta lluvia de estrellas es buscar un lugar oscuro, alejado de cualquier foco de luz molesta, y tumbarnos, si es posible, en un sitio cómodo y tranquilo para mirar al cielo mientras soñamos con deseos que se cumplen y recordamos la historia de amor entre Perseo y la bella Andrómeda o lo que queramos recordar o imaginar, que es gratis y nada nos va a costar.

10 años: la blanca dulzura del arte contemporáneo

2010-08-08T14:47:00.014+02:00

La fotografía que encabeza este post la hice hace tiempo pensando en cómo ilustrar uno de mis haikus en un tiempo en que escribir estos breves y entrañables poemitas japoneses de 17 sílabas se convirtió para mí en una necesaria terapia tras el fallecimiento de un ser querido:

El tiempo pasa
se deshace el azúcar
sobre el café

Pero no es de haikus de lo que trata este post: Trata sobre fortunas , arte contemporáneo…y terrones de azúcar. Deleitándome nuevamente ante el lento desmoronamiento de un terrón de azúcar sobre la cucharilla de café y leyendo por ahí que ahora la prestigiosa Tate Modern celebra sus diez añitos alzada sobre las negras aguas del Támesis, recordé algo que ví tiempo atrás en Londres, en ese mismo templo del arte Contemporáneo que es actualmente la Tate Modern, hermana gemela y postmoderna de la Tate Gallery, ubicada en la otra margen del río (ría, en realidad) frente a la imponente cúpula de St Paul, en un impresionante edificio vestigio post-industrial del pujante Londres del siglo XIX, la "Bankside Power Station" que los reputados arquitectos suizos Herzog & de Meuron comenzaron a transformar en un icono del arte moderno a partir de los años 90, casi una obra de arte en sí misma,

(Foto: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/03/Tate_Gallery%2C_London.jpg)

El caso es que cuando en aquellos años visité este nuevo templo de la modernidad artística (se inaguró en el año 2000) , una gigantesca instalación ocupaba una de la inmensas salas de turbinas de la planta baja. Dicha instalación consistía en enormes montañas y laberintos con más de 14.000 piezas en forma de cubos blancos traslúcidos apilados unos sobre otros como se observa en la fotografía de la izquierda . No recuerdo quien era su autor,/a ni indagué mucho acerca de la obra ni sus intenciones, fruto de las prisas y la fatiga intrínseca a la vida del sufrido turista cultural. Lo que sí creo intuir ahora es el previsible simbolismo de estas montañas de cubos blancos de poliéster. Tal vez sean fabulaciones y tal vez no fueran las intenciones de el/la artista , pero se me ocurre que en realidad simbolizaban esos familiares terrones de azúcar en honor del fundador de Tate Modern y restantes predecesoras: la Tate Gallery (1897), la Tate Liverpool (1988) y la Tate St. Ives (1993). Tras todas ellas está la figura que les da el nombre y su existencia : el coleccionista y magnate de la industria azucarera Henry Tate. Cuentan las fuentes que su fortuna ( y paralelamente su pasión por el coleccionismo artístico) empezó a a engrosarse a partir de adquirir la patente para la fabricación de los populares y modestos…terrones de azúcar. ¿Comprenden ahora? Queriendo saber algo más acerca de este señor leí que, cuando tenía 13 años, se convirtió en aprendiz de tendero en Liverpool. Tras siete años de aprendizaje, fue capaz de crear su propia tienda. El negocio fue todo un éxito, y creó una cadena de tiendas con sólo 35 años. En 1859 Tate se convirtió en socio de John Wright & Co. que era una refinería de azúcar, y vendió su negocio de ultramarinos en1861. Para 1869, había tomado el control de la compañía de la que era socio, y la rebautizó como Henry Tate & Sons. En 1872 adquirió la patente Langen, para hacer terrones de azúcar, y en ese mismo año construyó una nueva refinería en Liverpool.

Me dió por pensar que como tantas veces ha ocurrido, que todas estas grandes fortunas y el gran auge industrial y cultural que propulsaron tuvieron su origen en las explotaciones ( en este caso azucareras) de las colonias británicas de ultramar con la “inestimable” mano de obra de una esclavitud aún vigente en lo que se refiere a la explotación laboral, política, económica y cultural de dichos territorios. Esto tal vez no esté del todo escrito en ninguna historia oficial.

Pero he aquí que, en ¿otro? orden de cosas, me sorprenden cierto datos biográficos de su labor benefactora y social, fruto de su inmensa fortuna . En 1889 donó su colección de 65 pinturas contemporáneas al gobierno con la condición de que las proporcionase una galería adecuada donde exponerse, para lo que donó 80000 libras. La Galería Nacional de Arte Británico, más conocida como Tate Britain, abrió el 21 de julio de 1897, donde antes estuvo una cárcel , la Millbank Prison. Rehusó en varias ocasiones ser nombrado caballero, hasta que le dijeron que si lo volvía a hacer sería considerado una falta de respeto hacia la Familia Real, así que ahora ostenta el título de Sir Henry Tate. Cosas de la flema británica y sus sires.
Asimismo el señor (perdón, Sir) Tate hizo muchas otras e importantes donaciones economicas a la Universidad de Liverpool, al Bedfor College para mujeres, a la biblioteca del Manchester College, en Oxford, al Hahnemann Hospìtal de Liverpool, etc.

Mientras tanto, ya el azúcar se desvaneció sobre el fondo oscuro del café. Antes de todo eso, hizo rico al señor Henry Tate y llenó de blanca dulzura al arte de la cuidad del oscuro y sucio Támesis. La vida sigue, dulce y amarga, blanca y negra.

Actualización: tras redactar el post encontré este sitio donde analiza la instalación mencionada en la Tate Modern y da ciertos detalles sobre la misma y su- ahora sí-autora, Rachel Whiteread : Embankment : Rachel Whiteread

String Spin : Arte y tecnología

2010-08-04T23:55:00.010+02:00

No es la primera vez que hablo aquí de las maravillas que encuentro en Zefrank.com. En un post anterior ya hablé de The Scribbler. Hoy toca el turno a String Spin, una curiosa y sencilla aplicación que sirve para generar imágenes como las que encabezan este post. El proceso es simple ( tanto en sus versiones 1 y 2 ) como se puede ver en el vídeo demostrativo que he realizado y que sigue a estas líneas: realizas un dibujo lineal y el programa genera un modelado tridimensional .En su versión 2 -más avanzada- puedes configurar algunos parámetros para conseguir sorprendentes efectos. Sólo hay una pega: no podemos guardar las imágenes: tenemos que recurrir a capturas de pantalla.

Creatividad Online (I) : maravillosos visuales

2010-07-22T01:02:00.005+02:00

A nadie se le escapa que gran parte de la creatividad contemporánea se fomenta, se gesta y comparte en los muchos espacios y redes de internet, tanto en el campo de la experimentación audiovisual como en el artístico o publicitario. Redes como Vimeo, por ejemplo, son el escaparate de excelentes joyas audiovisuales, algunas de las cuales quiero compartir en este post, aunque ya lo hiciera tiempo atrás, cómo no, en twitter. Los dos primeros trabajos son sendos videoclips del artista visual Stuart Sinclair

"Shadow Life "

Shadow Life - Scanone from Stuart Sinclair on Vimeo.

"Meadow"

Meadow from Stuart Sinclair on Vimeo

Y para terminar, una precioso trabajo animación a cargo de Anthony Francisco Schepperd

"The Music Scene"

"The Music Scene" from Anthony Francisco Schepperd on Vimeo.

Scribbler : dibujos enredados

2010-06-15T10:46:00.014+02:00

No hace mucho que descubrí Zefrank.com, un portal donde se pueden encontrar verdaderas y originalísimas maravillas para hacer cosas creativas en formato flash. Un de ellas , y de las que más me ha gustado, es The Scribbler (algo así como "El garabateador"), una curiosa aplicación de dibujo que va creando sobre el trazado que realizas un entramado de finísimas líneas que simulan telarañas que van enredando el trazo original. Los resultados son increibles. El dibujo que ilustra el post está realizado con scribbler. Pueden modificarse algunos parámetros: transparencia, colores, cantidad y grosor de líneas, etc. El resultado puede exportarse en formato PDF o bien, hacer una capturas de pantalla, para guardar en nuestro ordenador, imprimir, etc. En el sitio BetwenCreation se pueden ver algunas de mis primeras creaciones de "Dibujos Enredados" con esta aplicación junto a otros trabajos artísticos (Cuadernos de dibujos, experimentos fractales, etc )